Working as a graphic designer, I just can admire the identity projects with happy ending. This is the Camper’s case and its newly opened Soho store in New York City.

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Trabajando como diseñadora gráfica, solo puedo admirar los proyectos de identidad con un final feliz. Este es el caso de Camper y su nueva tienda en el Soho neoyorkino.

The Chanel logo was designed by Coco Chanel in 1925. It consists of two chained and opposing Cs. It is not neccesary to say that it’s a very up-to date design. Neither is important to explain that it’s one of the most iconic identities in the fashion industry. The bold and definitive icon and typography in black and white are graphically perfect.

But there is a detail that we will never know about this identity: where did Coco find the inspiration to design the icon?

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El logotipo de Chanel fue diseñado por la propia Coco Chanel en 1925. Consiste en dos C abrazadas y enfrentadas. No es necesario decir que es un diseño muy actual y tampoco es importante explicar que es una de las identidades más icónicas de la industria de la moda. El icono y la tipografía, rotundos y audaces en blanco y negro, son gráficamente perfectos.

Pero hay un detalle que nunca sabremos sobre esta identidad: ¿dónde encontró Coco la inspiración para diseñar el icono?

New book: Logobook by Ludovic Houplain (Taschen). In spite of these kind of books are obsolete at the moment that are published, graphic designers like it all.

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Un libro nuevo: Logobook por Ludovic Houplain (Taschen). Aunque esta clase de libros se quedan obsoletos en el mismo momento en que se publican, a los diseñadores gráficos nos encantan todos.

I dare say that this has been the year of blue. Although predictions said that 2013 would be a year of emerald and burgundy, we have to surrender to the evidence that dark, deep, nocturnal and mysterious blue has been the protagonist of the last twelve months.

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Me atrevo a decir que este ha sido el año del color azul. Aunque las predicciones decían que 2013 sería un año de tonos esmeralda y burdeos, nos tenemos que rendir ante la evidencia de que el azul oscuro, profundo, nocturno y misterioso, ha sido el protagonista de los últimos doce meses.

This is the Anthropologie stationery designed by Alana McCann in 2010. The essence of this project is just the material, paper, with its texture, color and touch.

For good, in this multimedia era, the best online project will never exceed this design. I know both things are not comparable but I am a paper lover anyway.

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Esta es la papelería de Anthropologie diseñada por Alana McCann in 2010. La esencia de este proyecto es simplemente el material, el papel, con su textura, color y tacto.

En esta era multimedia, el mejor proyecto online nunca podrá superar este diseño. Sé que ambas cosas no son comparables, pero de cualquier manera, amo el papel.

Happycentro is a Design Studio from Verona that creates this original piece: an invitation card for Louis Vuitton store opening in Osaka. Happtcentro’s designers explain the proyect in this way: “The starting idea was a paper object designed by us; its shape, expression of perpetual precision and pureness of the origami world, we wanted to meet with our intimate passion for special printing techniques.”

If you like these images of the card, you will adore this video about the process of its creation.

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El estudio de diseño de Verona Happycentro es el creador de esta original pieza: una invitación para el evento de apertura de la nueva tienda de Louis Vuitton en Osaka. Los diseñadores de Happycentro explican el proyecto de esta manera: “La idea inicial fue un objeto de papel diseñado por nosotros; quisimos unir su forma, la expresión de precisión perpetua y pureza del mundo del origami y nuestra profunfa pasión por las técnicas de impresión”

Si os gustan estas imágenes de la invitación, os encantará el vídeo sobre su proceso de creación.

Pati Núñez by César Lucadamo

Si lo que define a un diseñador son sus diseños, a Pati Núñez la definen diseños que han llegado a convertirse en iconos, como las cajas de bombones de Cacao Sampaka, las bolsas de la desaparecida tienda Vinçon o la identidad de Magrit. Su estudio, Pati Núñez Associats, ha recibido 11 Premios Laus, el Premi Nacional de Cultura de la Generalitat de Catalunya y el Premio Nacional de Diseño. En esta entrevista, Pati nos habla de las claves de su trabajo, de su inspiración, de la forma en la que piensa una mujer diseñadora y también aconseja a los diseñadores que quieren crecer, como mejorar.

If a designer is defined by his designs, Pati Núñez is defined by designs that have gone to become icons, such as the chocolate boxes of Cacao Sampaka, the paper bags of Vinçon or the identity of Magrit. Her study, Pati Núñez Associats, has been awared with 11 Laus Prizes, the National Prize of Culture of the Generalitat of Catalonia and the National Design Award. In this interview Pati talks about the keys to her work, her inspration, the way a woman designer thinks and she also gives advise to designers who want to grow and improve. (See below the full English version).

Pati, bienvenida a Lisbon, Paris, Madrid. Frente a otras profesiones, el diseño implica una forma de ver el mundo con sensibilidad y curiosidad. ¿Cómo te influye ser diseñadora? ¿Puede una profesión como esta llegar a definir parte de nuestra personalidad?

Yo creo que es al revés, la personalidad influye mucho en el modo de diseñar, el modo de ver y hacer las cosas. Pero es cierto que llevo mi profesión siempre conmigo. Cuando voy al supermercado, veo los productos con ojos de diseñadora, cuando camino por la calle analizo todo lo que veo con la mirada de un diseñador, no lo puedo evitar. Aunque es agotador, resulta divertido y aprendo mucho.

Aún hoy se percibe el diseño como algo frívolo y, sin embargo, tiene una gran trascendencia cultural. ¿Qué valores aporta el diseño?

En el caso del packaging, el diseño es responsable de un 80% del primer impulso de compra y también puede llegar a multiplicar las ventas de un producto sin necesidad de invertir en promoción. Del diseño depende que una comunicación se entienda o no se entienda. Un proyecto de branding bien realizado, puede durar siglos sin perder su valor. Pero hay más: un diseñador puede racionalizar y reducir los costes de una empresa y puede ayudar a respetar el medioambiente. En nuestro país, la recesión llegó antes de que el público tuviera conciencia de la necesidad del diseño. También antes llegó esa moda de “me lo hago todo yo mismo”, facilitada por las múltiples herramientas informáticas a las que todos tenemos acceso. ¡Zapatero a tus zapatos!

Solucionar problemas, no repetirse, innovar… ¿cuáles son los retos de los diseñadores de hoy?

No es fácil ofrecer soluciones novedosas con una masa creciente de diseñadores produciendo imágenes en todo el mundo, pero es posible. Mi prioridad es ofrecer una solución que sea coherente con la identidad de la empresa o el producto con el que esté trabajando, que comunique su identidad, que no pase de moda, que se recuerde, que pueda ser renovable y que atraiga a todo el mundo. Esos son, y han sido siempre, mis objetivos.

Bolsas Vinçon / Paper bags of Vinçon

Sin concepto no hay diseño. Por eso, la búsqueda de conceptos para el desarrollo de proyectos es fundamental. En esta búsqueda, ¿tiene más peso el pensamiento racional o el pensamiento evocativo?

Para mí, lo principal es seleccionar los conceptos que definen la esencia y luego, traducir esos conceptos a imagen. Eso sería el pensamiento evocativo. Pero pensamiento racional, el mercado o el público objetivo, también tienen su peso y definen otros detalles del diseño. Suelo hacer un croquis reuniendo los conceptos principales, a veces es una sola palabra o una frase. Alrededor de ella sitúo otros conceptos secundarios y también requerimientos del briefing del cliente. Eso me sirve de guía en el proceso de diseño.

Este blog está dedicado a la inspiración de los diseñadores. ¿Cuáles son tus grandes fuentes de inspiración?

Mi inspiración es la misma vida, mantenerme vital y motivada. Y lo consigo con dieta, ejercicio regular y meditación, paseos por el bosque, lectura, viajes, conversaciones con amigos… Me encanta asistir a festivales de diseño y ver lo que hacen otros diseñadores del mundo. Pero a la hora de diseñar, prefiero olvidar todo eso y centrarme solamente en cómo comunicar el concepto que he seleccionado.

Identidad y packaging de Magrit / Identity and packaging of Magrit

Milton Glaser dijo: Hay tres posibles respuestas ante un diseño –sí, no y WOW!­­– El objetivo debe ser wow. ¿Qué proyectos de diseño han conseguido interesarte y te han hecho pensar wow!?

Creo que no soy yo quien debe pensar wow!, sino mi clientes y sus públicos. Pero es cierto que algunos proyectos tienen características que los hacen susceptibles de provocar un wow! en el consumidor, como por ejemplo, una bolsa para Vinçon o el packaging de una tienda de chocolates frente al diseño de una guía de teléfonos o un catálogo de tornillos. En general la gente dice wow! cuando el diseño produce emoción.

Siempre se hace referencia a que has sido la primera mujer en recibir el Premio Nacional de Diseño. ¿Veremos a más mujeres recibir este galardón?

Espero que sí, pero no tengo datos para responder. Ojalá sea así. Creo que las mujeres tenemos muy buenas condiciones para esta profesión por nuestro modo de pensar en forma radial, por lo que tenemos capacidad para tener en cuenta muchas cosas a la vez. Los hombres suelen tener un pensamiento lineal y eso hace que lleguen más lejos, pero con frecuencia olvidan cosas. Esto son generalidades y por supuesto, todos tenemos una parte femenina y otra masculina. Y afortunadamente todos somos diferentes.

A los diseñadores que necesitan motivación, a los que quieren mejorar y crecer… ¿qué mensaje de aliento les darías?

Que sean diseñadores las 24 horas del día, que asistan a festivales y conferencias de diseño, que visiten a otros diseñadores y aprendan de ellos. Hoy en día es fácil mantenerse informado sin moverse de casa, es solo cuestión de dedicarle tiempo. También les recomendaría que no copien nunca, bajo ningún concepto.

Identidad y packaging de Cacao Sampaka / Identity and packaging of Cacao Sampaka

Lisboa, París y Madrid son tres ciudades muy diferentes, pero tan especiales que todos tenemos un recuerdo valioso de ellas. ¿Qué te gusta de ellas?

Sin duda la arquitectura, el comercio local, la restauración y los museos. No obstante, me apena mucho observar cómo casi todas las ciudades del mundo se están homologando, perdiendo su personalidad, con la desaparición de su comercio autóctono, suplantado por las grandes cadenas.

English version

Welcome to Lisbon, Paris, Madrid Pati. Compared to other professions, design involves a special way of seeing the world, with sensibility and curiosity. How being a designer has influenced you? Can a job like this define part of our personality?

I think it’s the other way around. Our personality influences the way we design, the way of seeing and doing things. But is true that I always take my profession with me. When I go to the supermarket, I see the products through the eyes of the designer, when I walk down the street I analize everything I see with the eyes of a designer, I can’t help it. Although it’s exhausting, I find it funny and learn a lot.

Even today, design is perceived like something frivolous and, yet, it has a great cultural significance. What values is the design providing to our society?

In the case of packaging, design is responsible for 80% of first impulse buying and can also boost the sales of a product without investing in promotion. Design can make a communication comprehensible or not. A good branding project can last for centuries without losing its value. What’s more, a designer can streamline and reduce the costs of a company and can assist in protecting the environment. In our country, the recession came before people were aware of the need for design. Also before that DIY fashion, facilitated by multiple software tools that everybody can access. Stick to what you know!

Packaging Armand Basi Homme

Solve problems, don’t repeat, innovate… What are the challenges of today’s designers?

It is not easy to offer original solutions with an growing mass of designers around the world producing images, but it’s possible. My priority is to offer a solution that is consistent with the identity of the company or product I’m working on, to communicate its identity, not going out of fashion, that can be remembered, that can be renewable and that appeals to everyone. Those are, and always have been, my goals.

There is no design without concept. So the search for concepts to develop a project is essential. In this quest, does rational thought have more weight than evocative thought?

To me, the main thing is to select the concepts that define the essence and, then, translate those concepts into image. That would be evocative thought. But rational thinking, market or target audience, also have weight and define other details of the final design. I usually do a sketch putting together the main concepts, sometimes it’s just a word or phrase. I place around other side concepts and requirements of the client too. That helps me in the design process.

This blog is dedicated to the inspiration of designers. What are your main sources of inspiration?

My inspiration is life itself, and being able to keep my vitality and motivation. And I get it through diet, regular exercise and meditation, forest walks, reading, traveling, talking to my friends… I love attending design festivals and seeing what other designers around the world are doing. But when it comes to design, I prefer to forget all of that and focus only in how to communicate the concept I have selected.

Milton Glaser said: There are three responses to a piece of design—yes, no, and WOW! Wow is the one to aim for.” Which design projects have gotten you interested and made you think wow!?

I think I’m not the one who should think wow!, but my clients and their audiences. But it is true that some projects have traits that make them susceptible to provoke a wow! in the consumer, such as a Vinçon paper bag or a chocolate box compared to a phone book or a catalog of screws. Generally, people say wow! when design produces emotion.

You are always refered as the first woman who received the National Design Award. Will we see more women receiving this prize?

I hope so, but I have no enough information to answer. Hopefully it will be like that. I think that women have very good conditions for this job, because of our radial thinking, so we are able to consider many things at the same time. Men usually have linear thinking and that’s why they go further, but often forget things. These are generalities and, of course, we all have femenine and masculine sides. And fortunately we are all different.

Packaging Eight & Bob

Designers who need motivation, those who want to improve and grow… What message of encouragement would you give?

They need to be designers 24/7, to attend to design festivals and conferences, to visit other designers and learn from them. Today, it is easy to keep yourself up to date without leaving home, it’s just a matter of time. I would also recommend them to never copy, under any circumstances.

Lisbon, Paris and Madrid are three ver different cities, but so special that we all have an valuable memory of them. What do you like about them?

Without doubt the architecture, local commerce, restoration and museums. However, I feel sad seeing how almost every city of the world are standarizing, losing its personality with the disappearance of their local commerce supplanted by the big chains.

Hoy damos la bienvenida a Astrid Stavro una diseñadora con una fuerte proyección internacional. En esta entrevista, Astrid nos habla de su pasión por el diseño, su visión sobre qué implica ser diseñador gráfico hoy, su proceso creativo y también nos abre las puertas de Atlas, su estudio de diseño ubicado en Mallorca. En resumen, es un auténtico placer tenerla en Lisbon, Paris, Madrid y aprender con sus palabras.

Today we welcome Astrid Stavro, a designer with a strong international projection. In this interview, Astrid talks about her passion for design, her vision about what it means to be a graphic designer today, her creative process and she also opens the doors to Atlas, her Mallorca based design studio. In summary, her contribution in Lisbon, Paris, Madrid is a great pleasure and we hope to learn from her words. (Find below the complete english version of this interview!)

Pregunta: Astrid, bienvenida a Lisbon, Paris, Madrid. Muchos diseñadores sentimos que nuestra profesión no se entiende en profundidad y que su peso cultural y social pasa desapercibido. ¿Cómo explicarías las responsabilidades que conlleva ser diseñador?

Respuesta: Todo es diseño. Incluso lo que en apariencia no está diseñado. Una pelota de fútbol hecha con trapos es diseño. Una silla hecha con cuatro ladrillos y una tabla de madera es diseño. Un sistema de señalización que nos simplifica el viaje, los títulos de crédito de una película que hacen que nuestro corazón lata más rápido o la portada de un libro que nos descubre un nuevo autor. El diseño no pasa desapercibido. Está en todas partes y nos rodea a diario. Hay muchos ejemplos de diseños anónimos, objetos que forman parte de nuestra vida cotidiana. Estamos tan acostumbrados a ellos que nos resultan invisibles, como los clips.

El diseño es un servicio, no un fin en sí mismo. Sirve para mejorar nuestras vidas pero hoy en día hay una saturación. Este exceso de vanidad parece haber convertido el diseño en una herramienta de ruido y polución. Se le da más y más importancia al aspecto de las cosas, lo cual aleja la atención de su función principal: el significado, la función y la utilidad. En este contexto, es natural que nuestra profesión no se entienda en profundidad. Los diseñadores somos parcialmente responsables de la polución visual que padecemos. Las implicaciones de los proyectos que hacemos (o en los que nos involucramos) deberían ser el sine qua non de nuestra profesión.

Identidad y diseño editorial para Camper / Brand Identity and Editorial Desin for Camper.

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P: Atlas es uno de los estudios más representativos del diseño actual. ¿Qué te llevó a fundar tu propio estudio de diseño? Y, ¿cómo resumirías vuestra filosofía?

R: Atlas es la fusión de dos estudios: Astrid Stavro Studio y Grafica (fundada por Pablo Martín y Fernando Gutiérrez en 1993). Decimos que tenemos 40 años de experiencia porque es la suma de la trayectoria de Pablo y de la mía. Es decir, aunque Atlas tiene sólo 4 años, no somos nuevos.

Atlas es el segundo estudio que empezamos. De hecho, su nacimiento se debe, en parte, al hecho de que compartimos la misma filosofía de trabajo, la misma pasión y los mismos valores. Aunque nuestros métodos de trabajo y personalidades son muy distintas, compartimos la misma meta.

Nos atrae la humildad, la honestidad, la pasión, la curiosidad y las personas que escuchan. Nuestra filosofía es sencilla: apostamos por diseños atemporales basados en ideas que aporten significado, propósito y calidad. Huimos de las modas y de las frivolidades.

Somos conscientes de que 40 años de experiencia no son más que un principio. La satisfacción es el enemigo de la creatividad. Lo que nos motiva es saber que cada día estamos obligados a aprender algo nuevo. Y esa es nuestra suerte.

Diseño de portadas e interiores para Elephant Magazine / Cover and Layout Design for Elephant Magazine.

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P: Una tipografía, un color, una textura, una imagen, un sonido, un gesto, una palabra… Los diseñadores vemos pequeños matices en detalles que para otros pasan desapercibidos. ¿Nos caracteriza una sensibilidad especial o es sólo deformación profesional?

R: No sé si es una sensibilidad especial, una pasión, una obsesión o una mezcla de las tres. Los diseñadores que sienten pasión por la profesión no suelen separar la vida laboral de la personal. Hace un par de semanas estuve en París y un diseñador japonés me preguntó si trabajaba los fines de semana. Le contesté que sí, que a veces trabajo los fines de semana. “Yo también. Trabajo los fines de semana porque me divierto.” Lo dijo con una sonrisa de complicidad. Es un lujo dedicarse a una profesión por la que se siente auténtica pasión.

Los diseñadores pensamos con los ojos. Vemos lo mismo que los demás pero miramos de forma distinta. Nos fijamos y encontramos belleza en detalles que a otros les pasan desapercibidos, ¡sobretodo cuando hay letras de por medio!

P: Un asunto constante de cualquier profesión es la cuestión del techo de cristal. Son muchas iniciativas internacionales que claman por la igualdad de oportunidades para lograr el crecimiento profesional igualitario. En un país en el que solo Pati Nuñez ha logrado ser reconocida con el Premio Nacional de Diseño, ¿piensas que existe desigualdad en diseño?

R: Aunque las cosas han mejorado considerablemente (hay más concienciación sobre este tema y más diseñadoras), creo que sí sigue existiendo desigualdad en nuestra profesión. Es un problema complejo, enraizado en nuestra sociedad por razones históricas, sociológicas y políticas. La desigualdad de género es y se percibe de forma diferente en distintos países y culturas.

En España Pati Nuñez ha sido, durante muchos años, uno de los poquísimos referentes femeninos. De forma similar, Paula Scher lo ha sido en Estado Unidos. Pati y Paula eran las únicas diseñadoras, al menos con visibilidad, en un mundo preponderantemente masculino. Me alegra ver que, ahora, hay muchas más diseñadoras y una voluntad global de seguir luchando por la igualdad de género en todos los ámbitos.

P: ¿Cómo mantienes el entusiasmo más allá de la presión, de los días sin horas y de la rutina? ¿Cómo alimentas tu vocación?

R: El diseño es mi vida así que es difícil que se agote el entusiasmo. Soy una persona curiosa por naturaleza: me interesa todo, más allá del diseño. Cuando digo todo es cierto, me interesa prácticamente todo. A veces me encuentro leyendo sobre cómo se comportan los lobos en manadas, las aventuras de Shackleton en el la Antártida o las artes marciales de China.

Disfruto mucho hablando con la gente, con los amigos y también con los desconocidos. Me gusta viajar, pasear, escribir, leer, descubrir lugares, cosas y personas. Es difícil que me aburra. Siento pasión no sólo por mi trabajo si no por la vida. Ésa es mi fuente de energía. Dicho esto, ¡no es un camino de rosas! Compaginar trabajo con familia, hijos, viajes de negocio, problemas de salud… es una auténtica locura. Pero una locura maravillosa.

Diseño de la colección Phaidon Classics / Phaidon Classics‘ Design Colection.

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P: Este blog está dedicado a las fuentes de inspiración de los diseñadores. ¿Qué te inspira y cómo alimentas tus procesos creativos?

R: Me encanta la frase de Paul Smith: “Puedes encontrar inspiración en todo. Si no la encuentras, no estás mirando correctamente”. Es una gran verdad. Otra verdad es la célebre frase de Picasso, “La inspiracion existe, pero tiene que encontrarte trabajando”. El poeta italiano Giuseppe Ungaretti lo resume en dos palabras: “M’illumino d’immenso”. Mi fuente de inspiración es una mezcla de estas tres cosas.

El proceso creativo es un sistema de trabajo. La inspiración puede llegar antes, en medio o al final del proceso. Parte de mi forma de trabajar es lo que llamo el sistema ‘ping pong’. Me encanta debatir ideas con otros diseñadores. Cuando se trabaja en equipo las ideas vienen de muchos lugares y suelen ser mejores ya que te permite analizar el problema desde distintos puntos de vista. Las mejores ideas suelen ser muy sencillas. Si la idea es el contenido, el proceso es la forma.

P: A todos los diseñadores nos influyen otros diseñadores, artistas o escritores por su forma de mirar, de interpretar la realidad o de crear. ¿Quién ha marcado tu pensamiento creativo? ¿Es bueno buscar referentes?

R: Llegué al diseño gráfico tras estudiar filosofía y literatura. Siempre digo que mis mejores profesores fueron los libros. Como dice Julian Barnes: “La primera vez que me di cuenta de que existían otros mundos más allá del mío fue a través de los libros. La primera vez que imaginé cómo sería ser otra persona”.

Esto es lo que hacemos como diseñadores: imaginamos y creamos mundos para otras personas, nos metemos en los zapatos de nuestros clientes. Pero antes de poder hacerlo debemos conocer bien los propios. Es decir, hay que conocer a fondo la historia del diseño, a los maestros, entender el qué, el cómo y el porqué.

Photobook de Pain diseñado por Atlas / Pain Photobook designed by Atlas.

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P: Las tendencias, más allá de la moda, son consecuencia de cambios sociales que marcan un nuevo tiempo. Nos referimos a tendencias que implican cambios significativos, pero ¿la vinculación entre diseño y tendencias es positiva?

R: Depende de lo que se entienda por la palabra tendencia. Es una palabra que se suele asociar a la moda o a las modas, es decir, a corrientes pasajeras. Desde ese punto de vista, no creo que en el diseño sea ni positivo ni negativo.

Pero las tendencias entendidas como modos de pensar o entender son más relevantes. Me refiero a las tendencias atemporales que provocan cambios profundos en la sociedad. Por ejemplo, las nuevas tecnologías que han marcado un antes y un después en la forma de comunicarnos. Aquí el diseño desempeña un rol fundamental.

P: Ya que Atlas está en Mallorca, no podemos evitar preguntarte algún lugar especial de la isla.

R: Esta isla está llena de rincones especiales. Deià, un pequeño pueblo en el noreste de la isla, encajado entre las montañas de Tramuntana, ha sido un lugar de referencia desde mi infancia.

ENGLISH VERSION. [Checked and corrected by TJ Wierda, English Teacher.]

Question: Astrid, welcome to Lisbon, Paris, Madrid. Many designers feel that our work isn’t profoundly understood and that its cultural and social weight have gone without notice. How do you explain the responsibilities that come with being a designer?

Answer: Everything is design. Even things that don’t seem designed. A football made from rags is design. A chair made with four bricks and a slab of wood is design. A signage system that simplifies our trip, the film credits that make our hearts beat faster or a book cover that makes us discover a new writer. Design doesn’t go unnoticed. It’s everywhere and it surrounds us every day. There are many examples of anonymous designs, objects that are part of our lives. We are so used to them, that they are invisible, like paperclips.

Design is a service, not a purpose. It’s useful to improve our lives but today the market is saturated. This excess of vanity has turned design into a tool of noise and pollution. We give great importance to how things look, which leads us to forget the main function of design: meaning, function and usefulness. In this context, is normal that our work isn’t deeply understood. Designers are partially responsible for the visual pollution we suffer. The consequences of the projects we do (or the projects we get involved in) must be the sine qua non of our profession.

Diseño de bolsas para Forn pes de palla / Bags Design for Forn pes de palla.

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Q: Today Atlas is one of the most representative design studios. What brought you to found own studio? And, how do you summarize your philosophy?

A: Atlas is a fusion between two design studios: Astrid Stavro Studio and Grafica (founded by Pablo Martín and Fernando Gutierrez in 1993). We always say that we have 40 years of experience because it’s the sum of Pablo and my trajectory. In other words, although Atlas is 4 years old, we are not new.

Atlas is the second design studio we have. Its origins are found I the fact that we share, in part, a philosophy, passion and values. Although our working methods and personalities are quite different, we share the same goal. We are attracted by modesty, honesty, passion, curiosity and people who listen. Our philosophy is simple: we go fortimeless designs based on ideas that provide meaning, purpose and quality. We avoid fashion and frivolities.

We are conscious that 40 years of experience is only a starting point. Satisfaction is the enemy of creativity. What motivates us, is knowing that we are committed to learn something new every day. And that is our luck. 

Q: A typography, a color, a texture, an image, a sound, an expression, a word… Designers see small nuances in details that go unnoticed to others. Is that because we are characterized by a special sensitivity or is it just an occupational habit?

A: I don’t know if it is a special sensitivity, a passion, an obsession or a mix of these three things. Designers who feel passion for their jobs aren’t used to separating their professional and personal life. A few weeks ago, I was in Paris and a Japanese designer asked me if I worked during the weekend. I responded that I do, that sometimes I work during the weekend. “Me too. I work during the weekend because I have fun”. He told me with a smile of complicity. Being able to dedicate yourself to a profession for which you feel an authentic passion is a luxury.

Designers think with their eyes. We see the same as others but we look at it in a different way. We focus o and we find beauty in details that go unnoticed by others, especially when there are letters!

Identidad del Museo del Diseño de Barcelona / Brand Identity for Barcelona Design Museum.

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Q: A constant matter in any profession is the question of the glass ceiling. There are many international initiatives that fight for equality to reach professional equality. In a country where Pati Nuñez is the only woman recognized with the National Price of Design, do you think that inequality in design exits?

A: Although things have changed significantly (there is a raising of awareness and more female designers), I think that there is still inequality in our profession. It’s a complex problem, rooted in our society by historical, sociological and political reasons. Gender inequality is, and is perceived in, a different way in others countries and cultures.

In Spain, Pati Nuñez has been, during many years, one of the few female models. In the same way, Paula Scher in the United States. Pati and Paula were the only female designers, at least with visibility, in a predominately male dominated world. I’m happy to see that, now, there are a lot of female designers and a global goodwill fighting for the equality in all the fields.

­Q: How do you keep your enthusiasm beyond pressure, days without hours and routine? How do you feed your vocation?

A: Design is my life so it is difficult to lose my enthusiasm. I’m a curious person: I’m interested in everything, also beyond design. When I say everything, I mean everything because; I’m interested in almost everything. Sometimes I find myself reading about how wolf packs behave, Shackleton’s adventures in Antarctica or Chinese martial arts.

I really enjoy talking with people, friends and strangers. I like to travel, go for a walk, write, read, and discover places, things and people. Is quite difficult for me to feel bored. I feel passion, not just for my work, but for life. This is my source of energy. But, it’s not a bed of roses! Balancing work with family, children, business travels, health problems… it’s madness. But, a blessed madness.

Q: This blog is dedicated to the designer’s sources of inspiration. What inspires you and how do you feed your creative processes?

A: I love Paul Smith’s quote: “You can find inspiration in everything. If you can’t, then you’re not looking properly”. It a great truth. Another truth is Picasso’s famous quote, “Inspiration exists, but it must find you working”. The Italian poet Giuseppe Ungaretti summarized it with two words: “M’illumino d’immenso”. My source of inspiration is a mix of these three things.

The creative process is a system of working. Inspiration could come before, in the middle or at the end of the process. Part of my way of working is what I call ‘the ping pong system’. I like to discuss ideas with other designers. Ideas come from many places and tend to be better working in a team because it allows an analysis of the problem from different points of view. The best ideas are usually the simple ones. If the idea is the content, the process is the form.

Q: Designers are influenced by other designers, artists or writers because their ways of looking, interpreting reality or creating.  Who marks your creative thought? Is good to look for models?

A: I got into design after studying philosophy and literature. I always say that my best teachers were the books. As Julien Barnes says: “It was through books that I first realized there were other worlds beyond my own; first imagined what it might be like to be another person”.

That’s what we do as designers: we imagine and create worlds for other people, putting one’s self in our client’ shoes. However, before we can do it we have to know ourselves quite well. I mean, we have to deeply know the history of design, the masters, to understand the what, the how and the why.

Q: Trends, beyond fashion, are consequences of social changes that indicate a new time. We refer to trends that imply meaningful changes, but, is the link between design and trends positive?

A: It depends on what we understand by the word trend. It’s a word that we usually associate with fashion or style. From this point of view, I don’t think that it’s positive or negative for design.

But trends in ways of thinking and understanding are more relevant. I mean, timeless trends that cause deep changes in society. For example, new technologies that mark a milestone in the way we communicate. Here design plays a basic role.

Q: Atlas is located in Mallorca, so we have to ask you for a special place there.

A:On the island there are many special places. Deià, a small village in the Northeast, fits between the Tramuntana mountains, has been my reference place since my childhood.

Jeffrey Ludlow es el Director de la oficina de 2×4 en Madrid y también su Director Creativo. Su visión internacional, formación como arquitecto y trayectoria nos llevan a descubir en esta entrevista nuevas perspectivas del diseño como servicio y como imparable motor creativo.

Jeffrey Ludlow is 2×4 Madrid Office Principal and Creative Director. His international vision, trajectory and architecture background let us discover in this interview new perspectives of design as a service and as an unstoppable creative engine. (Find below the complete english version of this interview!)

Pregunta: Jeffrey, bienvenido a Lisbon, Paris, Madrid. Desde Nueva York a Madrid y desde la arquitectura al diseño. Cuéntanos tu trayectoria.

Respuesta: Estudié arquitectura pero esta es mi formación, no mi trayectoria. Fui educado bilingüe y entre dos países, Colombia y Estados Unidos, así que aprendí a adaptarme y también a comunicarme sin palabras. En la facultad de Arquitectura estaba tan avergonzado a la hora de hablar que dejaba que mis presentaciones hablaran por mí. Esto fue mi fase inicial de diseño y, desde ahí, fuí rebotando entre la arquitectura, el diseño de mobiliario, el diseño gráfico y todo lo que hay entre medias.

Diseño del espacio Arper en el Salone del Mobile de Milán creado por el equipo madrileño de 2×4 / Arper’s environment for the Salone del Mobile designed by 2×4 Madrid

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P: 2×4 es una consultora de diseño global con sede en Nueva York y estudios en Beijing y Madrid. ¿Cómo entendéis el diseño y cúal es vuestra filosofía?

R: Comencé trabajando en el estudio de Beijing, continué en el de Nueva York y ahora, dirijo el de Madrid. Me gusta decir que no hay una filosofía en cada oficina sino una curiosidad intelectual sobre el proyecto, así como el deseo de construir cosas reales –incluso digitales–. Por eso, tenemos una naturaleza dual: nos apasiona el buen diseño, lo admiramos, pero también nos gusta el proceso y la narrativa de una idea clara.

No importa cómo de tosca o tonta es una idea o cómo de sofisticado es un diseño, nuestros mejores trabajos mantienen el equilibrio entre función, idea y ejecución donde el diseño comunica, se adapta al cliente y es algo que queremos ver interactuar con el mundo. También creo que no siempre queremos crear belleza por el hecho de crear belleza, este no debe ser el objetivo del proceso de diseño. El desorden y el caos pueden ser grandes elecciones para el diseño.

P: ¿Qué significa ser talentoso hoy en día? 

R: Lo que diferencia a los buenos diseñadores no es su entrenamiento, su formación, la variedad en su portfolio o su habilidad con el software. Creo que los diseñadores verdaderamente talentosos pueden categorizarse de dos maneras. Los primeros son los diseñadores que tiene un instinto innato. Tienen una parte de curiosidad pero también, habilidad para ir más allá de las herramienas de diseño y como no, una idea inmediata. Todos ellos pueden comunicar con claridad y puedes ver cómo su idea es tan potente que puede comunicarla cualquiera. Estos son los que yo llamo los autores del diseño, los Gehrys, los Sagmiesters. Cualquier cosa que hacen es siempre con la misma voz.

Los segundos son otra clase de diseñadores que también pienso que son talentosos. Son los camaleones del diseño. No tienen una solución al principio y necesitan tiempo. Llegan a la idea final creando más y más opciones, profundizando en la forma de pensar del cliente, hablando los diferentes lenguajes de la tipografía y del color. Para ellos, el diseño es una aventura de elecciones en la que navegan. Estos serían como Akin y Rem Koolhaas.

Para mí, ser talentoso es una mezcla de las dos cosas, donde se comparte el don de la curiosidad y una mezcla de auto-edición y valor.

Diseño de books y folders para la galería Machado Muñoz / Books and folders design for Machado Muñoz Gallery

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P: Los diseñadores encuentran la inspiración en las pequeñas cosas del día a día pero también en los grandes hitos de la historia. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?

R: Para nosotros, como estudio, siembre ha habido un lado intelectual en el que nos inspiran el arte, el diseño, la arquitectura, la historia y la sociología y también, otra parte práctica que encontramos en la calle o en blogs. Esto también es válido como inspiración porque no hay fuentes de inspiración demasiado groseras ni demasiado comunes o singulares. Es más cómo usamos esas inspiraciones como influencias. 

P: Desarrollar proyectos de branding es un auténtico reto porque los mercados cambian, la sociedad cambia y los hábitos cambian. Por eso, cabe preguntarse si las marcas deben o no ser atemporales. ¿Cómo afronta el branding los grandes cambios de esta era?

R: Para mí el branding siempre hace referencia al núcleo básico de los valores de las marcas y a comunicarlos rigurosamente en cualquier medio. La parte difícil de un proyecto de branding es cómo definir esos valores visualmente de forma que el color, la tipografía y la fotografía den en el blanco, como un tono armónico que combina la marca, el producto y su voz. Después de esto es una cuestión de consistencia y repetición. Si tienes éxito, la comunicación visual comienza a tener vida por sí misma, más allá de ti como diseñador.

Creo que cuando algo funciona para una marca el toque de los autores tiene que desaparecer y debe vivir por sí mismo. Como diseñadores, debemos abandonar nuestro sentimiento de autoría para que el proyecto exista en el mundo real.

Para los diseñadores, el branding siempre es un desafío en el que creamos normas y determinamos cuándo se pueden romper. Un desafío que se encuentra entre tener el control y ceder el control. Nosotros, como estudio, siempre estamos aprendiendo cuándo ceder y cuándo tirar de las riendas. 

Diseño de paneles para el Centro de Innovación del Banco Santander / Panel design for Centro de Innovación Banco Santander

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P: Dicen que el mejor proyecto es siempre el siguiente pero, ¿cúal es tu mejor proyecto? Y, ¿cuál es tu proyecto soñado?

R: No tengo ni un proyecto favorito del pasado ni un proyecto soñado pero me gusta decir que hay partes de los proyectos que disfruto más que otras. Me gusta el principio de un proyecto, cuando empieza, porque en ese momento es una especulación de muchas cosas que podrían ser. También me gusta el final cuando ves el resultado y cómo interactúa en el mundo real. El resto también es apasionante pero es un proceso.

P: ¿Hay muchas diferencias entre ser diseñador aquí en Madrid y en Nueva York? ¿Y entre los proyectos?

R: Ser diseñador no es muy diferente. Dirigir un estudio, ¡sí lo es! Aquí la percepción de los clientes sobre diseño no es buena. El mantra ‘bueno, barato y mañana’ es muy común en España y, aunque también existe en Nueva York, no es tan habitual. Culpamos a los clientes por devaluar el diseño pero también deberíamos señalarnos con el dedo a nosotros mismos.

Cada vez más, creo que deberíamos dedicar tiempo a mostrar a los clientes, tanto a los grandes como a los pequeños, qué define el diseño, cómo son los tiempos correctos, qué es un fee, etc. Me gustaría que los estudios de Madrid y Barcelona se unieran para formar una organización que defina qué es el diseño cómo servicio. No solamente para los premios sino para crear un conjunto de herramientas que ayuden a los clientes a entender el diseño, los estudios de diseño y cómo pagarles correctamente por su trabajo. Sé que esto sería el ideal pero a veces, entre nosotros, somos nuestros peores enemigos y devaluamos los precios más que competir en calidad de ideas y diseño. Por eso, en España, se trata de precio y no de calidad. 

Los servios del diseño no son tapas en los que el precio es un indicativo de su sabor o calidad. Hay una gran diferencia con Nueva York donde, en resumen, tienes lo que pagas.

P: Has trabajado para clientes como Prada, Nike, Kayne West o CCTV pero también desarrollas proyectos para start ups.

R: Me gusta trabajar tanto para grandes marcas como para pequeños clientes. Creo que el diseño para una gran marca puede ser tan satisfactorio y complicado como para una pequeña Start Up. 2×4 siempre ha sido una fantástica mezcla de proyectos de varias escalas y tipos. Esta mezcla es algo que siempre me gusta. Cuanto más variado, mejor.  

Diseño y desarrollo del manual corporativo de ACdo / Design and development of ACdo’s Brand Guidelines

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P: Lisboa, París y Madrid son tres ciudades completamente diferentes pero nos gustan igual. ¿Qué te atrae de ellas?

R: Tengo que admitir que, aunque he estado en París muchas veces, siempre ha sido por trabajo, en momentos de presión y para reuniones rápidas lo que no me dejaba mucho tiempo para explorar la ciudad como me gustaría. Pero tengo algunos favoritos, como Le Dauphin, un sitio al que vuelvo de vez en cuando. Estoy ahorrando los paseos de ocio por París para más tarde, por ahora son todos de clase obrera.

Y, en Madrid, siempre busco su honestidad y simplicidad. Me gusta la frugalidad y la simplicidad de la cocina española pero que no por eso es menos generosa. Hay dos restaurantes que lo explican. El primero es Casa Boni que sería la simplicidad. Y la antítesis sería el restaurante Richeliue.

Y Lisboa lo estoy descubriendo más y más porque mi hijo y mi esposa son portugueses.

ENGLISH VERSION:

Question: Jeffrey, welcome to Lisbon, Paris, Madrid. From New York City to Madrid, and from architecture to design. Please, tell us about your trajectory.

Answer: I was formally trained as an architect. Which is a type of education but not quite a trajectory, especially to a graphic design office. I was brought up bilingual and between two countries Colombia and the US. So I grew to appreciate how to adjust. But also how to communicate with out words. In architecture school I was so embarrassed to speak that I often let my presentations speak for me so I would have to talk as little as possible. This was the initial phases of design, from there is a bouncing back and fourth between architecture, furniture design, graphic design and everything in between.

Q: 2×4 is a Global Design Consultancy headquartered in New York City, with studios in Beijing and Madrid. How does 2×4 understand design and which is your philosophy?

A: I started working in the Beijing studio, continued in the NY studio and now running the Madrid studio. I would say there is not a set office design philosophy but an intellectual curiosity around a project and a desire to see real things built, even if digital. There is dual nature to the studio where we lust for good design, we admire it but we also want a process or a narrative with a clear idea.

No matter how blunt or dumb the idea or sophisticated the design, our best work is a balance between design intentionality, a well-communicated idea and execution. Where the design communicates, fits the client, and is something we want to see interact with the world. I also think we don’t want to always create beauty for the sake of beauty, that may not be the outcome of the design process. Messiness and chaos can be great design choices.

Diseño del espacio y la gráfica de las exposición ‘Atlas de las Ruinas’ / Environmet design and graphic design for the exhibition ‘Atlas de las Ruinas’

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Q: What means to be talented nowadays?

A: I think what set apart a great designer is not training, nor education, or your diversity in your portfolio, or software capability. I think truly talented designers fall into two categories. First are great designers have an innate instinct, which is hard to train. It is part curiosity but also an ability to rise beyond tools of design and create something that stands apart but also has an immediate idea to it. All of which they can communicate clearly but you can see how the idea is so powerful that it can be communicated by anyone. These are what I call the authors of design, the Gehrys, the Sagmiesters. What ever they touch is always within the same voice.

But there is also another type of designer that I think is equally talented which is the chameleon of design. They don’t get to a design solution at first and it takes them time. They do it by creating more and more options, they dig deep to think like the client, to speak in the various languages of typography, of color. To them design is a pick adventure of choices, that like an editor they navigate. Akin to a Rem Koolhaas.

For me, to be talented is to be somewhere between the two, where the shared trait is curiosity, and a mixture of self-editing and courage.

Q: Designers find inspiration in small day-to-day things, but also in the big landmarks of Art, Design, and History. Which are your sources of inspiration?

­A: For us as a studio there has always been the intellectual side which fields constant inspiration from Art, Design, Architecture history and sociology but there is also the practical part which is seeing something on the street or on a blog. It is all more than valid as inspiration. There is no source too crass, too common or too unique.  It is more how you use these inspirations as influences. 

Q: Developing projects of branding is a real challenge because markets change, society changes and habits change. That why we can ask if brands remain timeless or not. And, how is branding approaching the significant changes of this era?

A: Branding, for me, is always about referencing a core set of values and communicating those rigorously in any medium. The hard part of a branding project is how to define those values visually and in a way that, color, typography, and photography strikes a harmonious tone that matches a brands product, service and voice. After that it is about consistency and repetition. If you are successful, the visual communication starts to take a life of its own, beyond you as a designer.

I think when something is more successful as a brand the more the authors touch disappears and it takes on a life of its own. As designers we must let our sense of authorship go after a project exist in the real world. 

Branding is always a struggle as a designer on creating rules and when those rules can be broken. Between having control and giving over control. We, as an office are always learning when to yield and to pull in the reins of control.

Q: They say that your best project is the next one but, what is your best project until now? And which is your dream design project?

A: I don’t have a favorite project from the past or a dream project. I would say that there are parts of the project that I enjoy more than others. I love the beginning, as it is a speculation of the many things the project could be and the very end when you see the results and how it interacts within the real world. The rest is also exciting but in a procedural way.

Q: Are there many differences between being a designer here in Madrid and New York City? What about projects?

A: Being a designer not that different. Running a design office… yes! The perception of design here from a typical client´s perspective is not good. The typical ‘bonito, barato, mañana mantra’ (good, chip and tomorrow) is all too common in Spain which may exist in NY but not as often. We, as other Madrid design offices, most often blame the clients for under valuing design but we should also begin to point the finger at ourselves.

More and more, I think we as offices should take the time to show our clients, both big and small, what defines design, what is an adequate time schedule, what is a real fee for services etc. I wish more and more offices in Madrid and Barcelona banded together to form an organization to define what design as a service is. Not only congratulatory awards. But a real set of tools to aid clients in understanding design and offices in how to properly bill for this service. I know it would be ideal, but all to often we, as designers, are each other’s worst enemies as we undercut each other in price rather than competing in quality of ideas or design. It comes down to price all to often in Spain rather than quality.

Design services are not a tapa’s where price is not indication of flavor or quality. That is a huge difference between New York and Spain, in short, you get what you pay.

Q: You’ve worked for clients like Prada, Nike, Kayne West, CCTV. How is the experience of working for big brands? Do you miss working for startups or unknown brands?

A: I like to work for both big brands and for small-unknown clients. I think the design issues that a big brand has can be as fascinating and as complicated as for a smaller start up. The office has always been a great mix of projects at various scales and various types of clients. The mixture is something I have always loved. The more varied the better.

Divertida tarjeta navideña de 2×4 / Funny christmas by 2×4

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Q: Lisbon, Paris, and Madrid are three completely different cities, but we love them anyway. What do you like of these places?

A: I have to admit that even though, I have gone to Paris plenty, it was and is always been for work under moments of pressure or quick meetings. Not leaving much time for exploration as much as I would like. Although I do have a few favorites (Le Dauphin) which I have come back a couple of times. I am saving the leisure Paris strolls for later, for now it is working class visits.

As for Madrid, I am always in search of honesty and simplicity. I like the frugalness and simplicity that Spanish cooking can have but I like some exorbitant generosity. I have two restaurants that exemplify this for me. A small neighborhood restaurant occupied by locals called Casa Boni’s is the simplicity. And the up scale Richelieu is the antithesis to this.

And Lisbon I am discovering more and more as my son and wife are Portuguese.

Mario Eskenazi es un diseñador que ha marcado una época y un referente que todos tenemos en mente. Sus soluciones de diseño son funcionales y útiles, pero al mismo tiempo atractivas y bellas. En esta entrevista Mario nos acerca su visión sobre la transformación digital, sobre el diseño y sobre la crítica. Sus palabras destilan un profundo amor por la profesión y una atractiva humildad.

Mario Eskenazi is a designer that has marked a milestone and is an exemplary model we all have in mind. Although his design solutions are functional and useful, they are also beautiful and pleasing to the eye. In this interview, Mario brings us closer to his way of understanding graphic design, digital transformation and criticism. His words reveal the profound love he feels for his profession and an endearing humbleness. (Find below the complete english version of this interview!)

Pregunta: Mario, bienvenido a Lisbon, Paris, Madrid. Estudiaste arquitectura y, en tus inicios, trabajabas e impartías clase como arquitecto. ¿Qué vínculos unen la arquitectura con el diseño gráfico? Y, ¿qué te enamoró de él?

Respuesta: Hay muchos vínculos. Desde la necesidad de una idea para desarrollar un proyecto y de una estructura y una modulación, hasta el hecho de llegar a una formalización que responda a necesidades únicas. La diferencias son la importancia del resultado. Una obra arquitectónica tiene un peso social y urbanístico que el diseño gráfico no tiene y, formalmente, la arquitectura es tridimensional y el diseño gráfico es plano, bidimensional. Últimamente al diseño se le incorpora el movimiento, pero no deja de ser bidimensional.

Creo que lo que me atrajo del diseño fué precisamente que es plano y además, me gustan más las letras que los ladrillos. Y la inmediatez. Para acabar un proyecto de arquitectura y verlo realizado se necesita mucho tiempo. En cambio el diseño gráfico es inmediato. Y otra cuestión muy importante para mí: para diseñar no necesito a nadie. Desde el estudio puedo resolver cualquier problema de diseño. En cambio el arquitecto debe ser como un director de cine. Debe coordinar diferentes equipos. Depende, a su manera, de diferentes perfiles.

Cuando estudié arquitectura no sabía que existía el diseño gráfico y arquitectura era la carrera que más tenía que ver con mis inquietudes de adolescente, sobre todo con dibujar. Descubrí el diseño estando en la universidad pero decidí terminar arquitectura porque valoraba mucho la formación que adquiría.

P: En el año 2000 recibes el Premio Nacional de Diseño. ¿Qué significa para un diseñador recibir este galardón? En tu caso, ¿fue un punto de inflexión?

R: El Premio Nacional de Diseño fue algo así como una pequeña satisfacción pero sin mayor trascendencia. No fue un punto de inflexión. Con el tiempo me di cuenta que me dio visibilidad. No soy muy afecto a los premios.

Diseño y desarrollo de la identidad del Centro de Arte Santa Mónica (proyecto realizado con Dani Rubio) / Design and development of Santa Mónica’s corporate identity (project produced with Dani Rubio).

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P: ¿Qué supuso el enorme proceso de transformación digital para los diseñadores que no sois nativos digitales?

R: Supuso seguir aprendiendo. Siempre digo que en esta profesión, como en todas, hay que estar aprendiendo continuamente. Pero así como en el campo conceptual o técnico los nuevos conceptos se absorben con facilidad esta transformación tecnológica e ideológica fue muy fuerte. Había que aprender a usar nuevas herramientas y aprender a pensar de otra manera. Pero la recompensa fue infinita.

P: ¿Cómo valoras el crecimiento del diseño online frente al diseño offline? ¿Es un romántico el diseñador que sigue enamorado del papel?

R: Yo creo que todo diseñador apasionado por su trabajo es un romántico. Al crecimiento del diseño online frente al diseño offline no lo valoro porque ¡es inevitable! Si lo que te enamora es el diseño, da igual el medio. Para mí tiene tanto valor el papel como la pantalla.

Uno de los trabajos más conocidos de Mario Eskenazi es el diseño de la identidad corporativa del Banco Sabadell. En estas imágenes vemos sus diseños para dos de las memorias anuales de la compañía. / One of the most well-known works of Mario Eskenazi is the corporate identity of Banco Sabadell. These images are his designs for two Annual Reports. 

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P: ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? ¿Sigues un mismo patrón de trabajo en todos los proyectos o cambias el proceso en cada uno?

R: Lo que cambia es el proyecto, el tema, el encargo. Mi proceso es siempre el mismo: descubrir qué es lo que hace único ese encargo y encontrar una solución única para él. Think first, draw later.

En cuanto a mis fuentes de inspiración, son los proyectos en sí además de que admiro a muchos diseñadores, artistas, emprendedores y músicos que me impulsan a tratar de mejorar permanentemente.

P: Trabajas en proyectos de branding, packaging, gráfica o señalización. ¿Hay alguna especialidad que te motive más que ninguna?

R: Necesito todos los campos. Si trabajara sólo en uno creo que me aburriría y tendría ganas de trabajar en otros.

Diseño de la exposición para ElBulli Foundation en el Palau Robert (proyecto realizado con Dani Rubio). / Exhibition design for ElBulli Foundation at Palau Robert (project produced with Dani Rubio).

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P: El diseñador convive siempre con las críticas. Las objetivas y razonadas nos hacen crecer pero, ¿qué ocurre con las despiadadas y subjetivas? ¿Nos hacen más fuertes?

R: Honestamente las críticas locales no me importan. Ni las objetivas ni las subjetivas. Lamento que aquí no exista una crítica profesional o críticos profesionales.

En mi vida aprendí mucho leyendo artículos sobre diseño escrito por profesionales del tema. Aquí la crítica se límita a admirar o denostar diseñadores o trabajos, sin aclarar nada.

P: Mario, ¿la belleza puede salvar el mundo?

R: Es que en mi caso la belleza está íntimamente relacionada con la función. Deben ser indisolubles. De todos modos, sálvese quién pueda. ¡El mundo lo tiene más difícil!

ENGLISH VERSION:

Question: Mario, welcome to Lisbon, Paris, Madrid. You studied architecture and, at the beginning, you gave classes and worked as an architect. In which way are architecture and graphic design linked together? And what made you fall in love with it?

Answer: There are a many links. From the need of an idea for developing a project and a structure and modulation, to the fact of reaching a formalisation that responds to unique needs. The differences are the importance of the result. An architectural work plays a significant role in society and urban planning that graphic design doesn’t and, formally-speaking, architecture is three-dimensional and graphic design is flat, two-dimensional. There is a trend at the moment to incorporate movement into design, but it’s still two-dimensional.

I think that what attracted me to design was precisely the fact that it’s flat and, apart from that, I prefer letters to bricks. And the immediacy. To finish an architectural project and see it executed you need a lot of time. On the other hand, graphic design is immediate. And something I consider very important: when I design I don’t need anyone else. I can resolve any design-related problem in the studio. However, architects need to be like film directors. They have to coordinate different teams. In their own way, they depend on different profiles.

When I studied architecture I had no idea that graphic design existed and architecture was the nearest thing that suited my interests when I was a teenager, especially drawing. I discovered design while I was at university but I decided to finish architecture because I greatly valued the training it would give me.

Q: In 2000 you won the Spanish National Design Award. What does this prize mean to a designer? In your case, was it a turning point?

A: The National Design Award gave me a sort of satisfaction but that’s all. It wasn’t a turning point. But as time went by I realised that it made me visible. I’m not very fond of prizes.

Identidad y packaging para Santa Eulalia. / Corporate identity and packaging design for Santa Eulalia.

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Q: What did the tremendous digital transformation process imply for designers who are not digital natives?

A: It implied carrying on learning. I always say that in this profession, like in all professions, you can never stop learning. But unlike the conceptual or technical field when new concepts are easily absorbed this technologic and ideological transformation was very tough. You had to learn how to use new tools and learn how to change your mind-set. But the reward was immeasurable.

Q: What do you think of the growth of online design in comparison to offline design? Is a designer who still loves paper a hopeless romantic?

A: I think that any designer who feels passionate about their work is a romantic. I don’t value the growth of online design in comparison to offline design because the growth is inevitable! If you love designing, it doesn’t matter which medium you use. For me, paper is just as valuable as the screen.

Q: Where do you get your inspiration from? Do you follow the same procedure in all your projects or do you change the way you work in each one?

A: The only thing that changes is the project, the subject, the assignment. My procedure is always the same: discover what makes the assignment unique and then find a unique solution for it. Think first, draw later.

As regards my sources of inspiration, the projects themselves inspire me and I also admire many designers, artists, entrepreneurs and musicians who make me want to try and improve all the time.

Póster para Transportes Metropolitanos de Barcelona. Durante 7 años Mario Eskenazi dirigió la identidad corporativa de la compañía. Este trabajo fue realizado con Dani Rubio. / Poster to Transports Metropolitans de Barcelona. Mario Eskenazi managed the corporate identity of the company for 7 years. The project was produced with Dani Rubio.

Q: You work on branding, packaging, graphic and signage projects. Is there a speciality that inspires you more than any other?

A: I need all the fields. If I limited myself to only one, I think I would get bored and I’d feel like working in others.

Q: Designers always have to live with criticism. Objective and reasoned criticism makes us grow but what happens with ruthless and subjective comments? Do they make us stronger?

A: I can honestly say that I don’t care about local criticism, whether it’s objective or subjective. I’m sorry that there is no professional critique or professional critics here.

During my life I have learnt a great deal by reading articles about design written by professionals. Here criticism is limited to admiring or insulting designers or their work, without clarifying anything.

Q: Mario, can beauty save the world?

A: Well actually in my case, beauty is intimately related with the function. They have to be indissoluble. Anyway, everyone for themselves, it’s more difficult for the world!

Diseño de logotipo para hola Luz, una compañía energética verde. / Logo design for hola Luz a energetic green company.

This week I’ve received one of the most significant and teaching gifts of my life. It’s the book Paula Scher: Works. 

This book is a complete overview to Paula Scher’s works from her early days in the music industry to her partnership with Pentagram. But the book is also a deep approach to Paula, the woman who shines with creativity and audacity, the one who built her authorithy in a men’s world and the one who teach us other ways to think and resolve graphic challenges. 

One of the things I learned with this book is that we can learn in many ways with Paula Scher. Not just throught her works but also with her way to understand design and life.

Esta semana he recibido uno de los regalos más significativos y didácticos de mi vida. El libro Paula Scher: Works. 

Este libro es un completo resumen de sus trabajos desde sus primeros años en la industria musical hasta sus 25 años como socia de Pentagram. Pero el libro también es un acercamiento profundo a Paula, la mujer que brilla con creatividad y osadía, la que construyó su autoridad en un mundo dominado por hombres y la que nos ha enseñado diferentes formas de pensar y de resolver retos gráficos. 

Una de las cosas que he aprendido con este libro, es que podemos aprender de muchas formas con Paula Scher. No solamente con sus trabajos, sino también con su forma de enterder el diseño y la vida.

It girl, instagramer, influencer, fashion icon, muse… or just a girl with a great personality. Alexa Chung has launched her own fashion brand with an original identity designed by Studio Frith with an icon formed by an A and a C bounded and with an innovative photographic style. 

Alexa defines the vision of her brand as “clothes that people want to wear. Combining Parisian chic with a New York edge, as well as the very British sense of humour, it is inspired by everything from Jane Birkin’s insouciance to David Hockney’s stripy sweater” and also an “unique approach to making clothes, combining distinctive fabrics and prints with classic tailoring alongside more feminine designs”.

With this strong brand’s construction and with so interesting designs… we definitely love you, Alexa. 

It girl, instagramer, influencer, icono de moda, musa… o solo una chica con una personalidad fabulosa. Alexa Chung ha lanzado su propia marca de moda con una original identidad diseñada por Studio Frith que se caracteriza por un icono que enlaza una A y una C y por un estilo fotográfico innovador. 

Alexa define su visión de esta marca como “prendas que la gente quiere vestir. Combinando el chic parisino y la vanguardia neoyorquina, así como el sentido del humor británico e inspirado por todo, desde la despreocupación de Jane Birkin hasta un jersey de rayas de David Hockney” y también “una aproximación a la fabricación de prendas combinando distintas telas y estampados con los cortes clásicos junto con diseños más femeninos”. 

Con una construcción tan sólida de marca y con unos diseños tan interesantes…  definitivamente te queremos, Alexa.

I really like this image from the exhibition that paid tribute to the timeless and classic designs of our beloved Massimo Vignelli. This exhibition celebrated in 2015 at the Okendo Cultural Centre in San Sebastián, celebrated the life and work of Massimo Vignelli with original material from personal archives and tribute posters designed by more than 30 selected designers and design studios, including Alberto Corazón, Atlas, Javier Mariscal, Mucho and Toko among many others.

‘Timeless: Massimo Vignelli’ was initiated by Alain Villastrigo and Ernesto Arnáez of Basque graphic design studio Husmee, in association with former Vignelli Associates Beatriz Cifuentes and Yoshiki Waterhouse.

Sorry, I don’t know who designed this poster that celebrates with creativity the complex and brilliant Vignelli’s project for the New York Subway.

Me gusta mucho esta imagen de la exposición que celebra los diseños atemporales y clásicos de nuestro querido Massimo Vignelli. Una exposición celebrada en 2015 en el Centro cultural de Okendo en San Sebastián para homenajear la vida y obra de Massimo Vignelli con material original de sus archivos personales y también, con pósters de más de 30 diseñadores y estudios seleccionados, incluyendo a Alberto Corazón, Atlas, Javier Mariscal, Mucho y Toko entre otros muchos.

‘Timeless: Massimo Vignelli’ fue una iniciativa de Alain Villastrigo y Ernesto Arnáez del estudio vasco Husmee, en asociación con la directora de Vignelli Associates Beatriz Cifuentes y Yoshiki Waterhouse.

Aunque no logro encontrar quién es el autor de este póster, me gusta cómo celebra con creatividad y humor el complejo y brillante proyecto de Vignelli para el metro de Nueva York.

Fotografía de Nacho Padilla por David Arenal.

Seamos de aquí o de allá, Nacho Padilla está despertando la curiosidad muchos. Como Director Creativo del Ayuntamiento de Madrid es responsable de uno de los muchos cambios que está sufriendo la ciudad: todo lo relativo a su comunicación conceptual y visual. En esta entrevista nos habla de cuestiones profundas como los espacios públicos, la marca ciudad, el binomio burocracia-creatividad y también de cuestiones más livianas, como su inspiración o la esencia de Madrid.

Nacho, bienvenido a Lisbon, Paris, Madrid. El hecho de que Madrid cuente con la figura de un Director Creativo ha dado voz a la ciudad que, ahora, se expresa de forma potente visual y conceptualmente. ¿Es la primera vez que el Ayuntamiento de Madrid tiene una figura así? Es la primera vez, sí. Anteriormente había figuras que se encargaban de la gestión de la identidad, ‘policías de marca’ que velaban por su correcta aplicación, pero no se había ido más allá. Trabajo en la Dirección General de Comunicación que antes se llamaba Dirección General de Medios de Comunicación, lo que ya indica una clara distinción sobre la forma de enfocar el trabajo.

En este tiempo se han puesto los raíles, pero que todavía hay afinar cosas y extender la perspectiva que se ha implantado. Es decir, el Acuerdo Marco (a través del que el Ayuntamiento de Madrid contrata de servicios de diseño y creatividad), es los raíles de los que hablo: facilita la capacidad de la Administración para trabajar con los mejores profesionales, cosa que la contratación al uso no permite. Pero eso solo son los raíles. La máquina que mueve los procesos, debe estar altamente profesionalizada y, para que eso suceda, debe haber vocación de permanencia para gestionar el diseño y la comunicación. Por lo tanto, es dependiente de la voluntad política de quienes tienen la decisión sobre cómo hacerlo.

La campaña de las fiestas de San Isidro en 2018 fue un proyecto desarrollado por la diseñadora Silvia Ferpal –creadora de la tipografía Ferpal Sans– y la ilustradora Mercedes deBellard. Una campaña que llegó al corazón de los madrileños por su carácter familiar, extrafemenino, festivo y lleno de poesía.

¿Cuál es tu balance de este tiempo en el cargo? En lo que respecta a lo realizado, creo que solo se han visto las capacidades del diseño en una capa, en cierto modo, superficial. La ciudad ha cambiado estéticamente y eso tiene derivadas que trascienden el puro aspecto formal –se genera un relato, se facilita la Cultura de Diseño, se añaden capas emocionales a la forma de entender y contar la ciudad…–, pero el verdadero cambio pasa por entender el diseño como un facilitador, una herramienta de comprensión y empoderamiento para la ciudadanía.

El diseño es la interfaz a través de la cual nos relacionamos con el mundo construido. Aplicar esa lógica y las herramientas de diseño, más allá de la gráfica, en la interactuación de la Administración, la ciudad y la ciudadanía, sería lo realmente transformador.

❝No hay oportunidad en la que no recuerde que la Administración tiene la obligación de dignificar el espacio público.❞

La gestión creativa de Madrid es una responsabilidad importante hacia los madrileños y hacia sus visitantes. ¿Qué paradigmas sigues para acotar las gráficas y mensajes que comunica la ciudad?Comprensión, relevancia y notoriedad. Después, estos tres principios se adaptan a los soportes en los que se desarrolle la campaña.

El Ayuntamiento de Madrid tiene mucho músculo en exterior. Esa es la razón por la que se le ha dado importancia al cartelismo, al diseño gráfico, a la ilustración… Una campaña en la que se haga foco en difusión es capaz de vestir la ciudad entera. Eso es una responsabilidad. No hay oportunidad en la que no recuerde aquello de que la Administración tiene la obligación de dignificar el espacio público.

Aprovecho para apuntar que se le da mucha importancia al valor del diseño y la creatividad, pero la responsabilidad del impacto cae en cómo se ha priorizado y optimizado el uso de los espacios y soportes y el tiempo de exposición en la difusión de las campañas. Esto es también fruto de haber contratado perfiles con amplia experiencia profesional.

❝No soy partidario del término Marca Ciudad. Prefiero trabajar en términos de relato.❞.

¿Es posible conjugar la creatividad libre con lo burocrático? ¿Hay límites? No se me ocurre ningún caso en el que la creatividad no encuentre su camino y, a veces su sentido, en la forma en la que responde a las limitaciones.

Lo primero que hicimos fue ser conscientes de las constricciones y luego crear las circunstancias para que eso jugara a nuestro favor. El primordial trabajo creativo ha sido diseñar un modelo de contratación que nos permitiera ser lo más libres posibles a través de herramientas burocráticas. Una forma de trabajo que sustituyera la autoridad parental por la autoridad competencial y operativa y que repartiera sus ámbitos y actuaciones de la forma más lógica posible. Lo cual, si hablamos de creatividad libre, resulta paradójico que haya sido la burocracia administrativa lo que nos ha permitido crear un escenario de trabajo con una perspectiva casi bakuniana: “Me inclino ante la autoridad de los especialistas porque me lo impone la propia razón.”

De cualquier modo, nunca he trabajado de forma tan libre como en estos 3 años, en los que no he tenido ni guías ni imposiciones.

Otras ciudades ya han profundizado en una estrategia propia de diseño y Place Branding. ¿Cuáles son los beneficios de destinar recursos y equipo al desarrollo de marca ciudad? No soy nada partidario del término Marca Ciudad, creo que es un estorbo, que limita, que se dirige de un modo que ya no existe a la relación ciudad-ciudadano/visitante/inversor.
Probablemente es una cuestión de simple terminología pero prefiero trabajar en términos de relato.

La marca compartimenta el “quién eres” en el departamento de marketing, no entiendo por qué cuando las marcas darían lo que fuera por convertirse en comunidades reales, una ciudad -que es la comunidad por antonomasia- puede pretender reducirse hasta caber en el concepto de marca. La marca, a mi parecer, es solo un instrumento más para construir relato. Las marcas más valoradas en la actualidad lo son en la medida de la experiencia y el servicio que aportan, más allá de la farfulla que se pueda crear alrededor.

Para algunos la marca es todo, cabe todo lo que quieras meter dentro, así que, como digo, puede entenderse como una discusión simplemente terminológica. De cualquier modo creo que los recursos que se destinan a la creación y desarrollo de branding tal y como lo conocemos, deberían invertirse en ser fiel a lo que eres en un eje detallado de abscisas y ordenadas.

Campaña del Premio de Emprendimiento Social 2019 desarrollada por KNOM. Un estudio que se define por su vocación, independencia y flexibilidad.

Sin embargo, los profesionales del diseño abogan por tener más visibilidad ante las instituciones, pero tal vez esto no ocurra hasta que las instituciones integren el diseño en sus estrategias de comunicación como ya ocurre en otros países. ¿Por qué no sucede aquí? Más que visibilidad, lo que necesita el diseño es ser tratado como una industria y una herramienta de trabajo con la que se consiguen objetivos y se solucionan problemas si se trata y se percibe de una manera profesional.

Los concursos de carteles, el ofrecer ‘visibilidad’ en lugar de honorarios, el trabajo especulativo, ese “házmelo y luego ya veo si me convence y te pago”… son prácticas que no solo resultarían insultantes para cualquier otro sector pero que además denota una especial falta de conocimiento y de capacidades por parte de quienes las promueven. Pero esto ocurre en la administración y ocurre en el sector privado; la falta de cultura de diseño es un problema no específico de la administración y no específico de España.

¿Cuáles son los retos de la ciudad del siglo XXI? Y, ¿qué lugar ocupa el diseño y la creatividad en esos retos? Me viene grande opinar sobre estos retos, pero si para mediados de siglo, casi el 70% de la población mundial va a vivir en las ciudades entiendo que serán parejos a los retos de la humanidad: el cambio climático, la desigualdad, la relación con el otro, el no-trabajo…

Son problemas demasiado complejos para esperar que sean solucionados con una capa estética. El diseño debe jugar un papel de facilitador, de capacitador, de interfaz a través de la que poder entender esa complejidad e interactuar con ella. Creo que es vital la visión del diseño, de no dar nada por supuesto, a la hora de afrontar problemas y plantear soluciones.

Madrid Te Abraza es la nueva iconografía que representa el carácter de la ciudad. El proyecto, puesto en marcha desde Madrid Destino y el Ayuntamiento de Madrid, ha sido desarrollado por Erretres y busca “representar la multiplicidad de rasgos y cualidades de la ciudad” pero, a su vez, sea ha diseñado para ser “reconocible y dejar huella”. Para expresar este concepto, Erretres se inspiró en el abrazo dada la capacidad de Madrid para hacerte formar parte de la ciudad, sin importar de dónde vengas.

❝Antepongo siempre la curiosidad y las ganas de entender frente a los prejuicios.❞

¿Qué te inspira y alimenta como creativo? A lo largo de tu vida, ¿cómo y qué ha formado tu sensibilidad estética? Cada vez me doy más cuenta del peso de lo inconsciente y, por cómo me manejo, me inspira todo. Creo que la profesión te hace educar la curiosidad y que hay cierta predisposición para dedicarte a esto, claro. De alguna forma, no hay nada que no me interese en cuanto a mis preferencias estéticas, por dedicarme a lo que me dedico, las entiendo como posibles sesgos, así que intento, más que darles gusto, vigilarlas de cerca.

Vengo del mundo de la publicidad y soy redactor así que, si en algo se me ha educado el ojo, es por haber estado rodeado de diseñadores durante lustros. Antepongo siempre la curiosidad y las ganas de entender frente a los prejuicios. Eso es indispensable. Eso y ser consciente de que, en realidad, no tengo ni idea de diseño.

Lo global, lo local, lo glocal… a todo se pone un título y, sin embargo, Madrid es una ciudad difícil de definir, con una personalidad auténtica por ser una mezcla de capital y pueblo. ¿Cómo defines Madrid y a los madrileños? Madrid tiene una cualidad, basada en esto que dices, que la define y la diferencia. Tiene, a la vez, la cercanía de un pueblo y la apertura de miras de una metrópoli. Eso le da un carácter muy especial que es el que entendemos como relato: Madrid es una ciudad abierta, acogedora, que enseguida abre sus brazos y que además, se deja abrazar.

Madrid siempre está abierto a lo que viene de fuera, es su esencia. La prenda tradicional viene de Manila y el bocadillo más madrileño, de un mar a 400 kilometros. Es una ciudad que no pregunta, pero que escucha. Que haya hecho de una reivindicación y defensa de derechos como el Orgullo, su fiesta mayor, creo que lo dice todo sobre qué es Madrid.

Y hay dos cosas que creo que definen ser madrileño. La primera, la no necesidad de haber nacido ni aquí, ni cerca. La segunda es que, por el hecho de que cuando llegaste la ciudad se te abrió, haces lo mismo con quien llega, por lo cual se crea esa cadena que es la que conforma el carácter madrileño.

Con solo con escuchar su nombre, Folch, todos prestamos atención. Tal vez por ser un estudio que hace proyectos tan relevantes como atractivos. Tal vez por su carga conceptual y su pensamiento profundo asociado. O, tal vez, porque en nuestro ámbito estamos sedientos de nuevos planteamientos, nuevas visiones y nuevas ideas.

En esta entrevista los socios de Folch, Albert –Creative Director & Founder Partner– y Rafa –COO & Head of Brand Strategy Partner–, nos hablan de cómo valoran el pensamiento y las ideas. De cómo estamos en un momento en el que es necesario repensar el branding y también, de cómo el talento joven es sabio y desacomplejado.

A lo largo de la historia de Folch, ¿cuál ha sido vuestra decisión más valiente?

Rafa Martínez: Sin duda la que tomó Albert al pedirme que me asociara con él. Tuvo la visión e intuición para entrever que encajaríamos y que de nuestra relación de amistad saldría algo mejor de lo que ya era Folch en ese momento. Fue un momento sumamente difícil y complicado.

Albert Folch: Cuando pedí a Rafa que se asociara conmigo. Ese momento siempre me recuerda a cuándo Indiana Jones tuvo que pisar sobre el puente invisible. Fue un salto de fe (Albert nos envía este vídeo para que entendamos a qué se refiere).

Tenía la intuición que no me equivocaba, pero en ese momento, el contexto me hacía pensar que era una decisión suicida. No me equivoqué. Es la mejor decisión que nunca he tomado. Rafa es la persona más capaz que nunca he conocido.

Catálogos para Espai 13. Proyecto seleccionado para los Premios Laus 2019.

❝Hoy no hay orden ni pauta, sino fluido❞

Más allá del desarrollo conceptual y visual de proyectos, buscáis abrir el debate para superar y elevar el Branding por ser un término ya obsoleto. Vosotros utilizáis el concepto Liquid Branding para otorgar a las marcas libertad y flexibilidad. ¿En qué consiste?

Rafa Martínez: Desde siempre nos gustó vincular Folch con el pensamiento en general y específicamente con el pensamiento estratégico. En este sentido, Zygmunt Bauman y su Sociedad Líquida, describe perfectamente el derrumbamiento de la sociedad actual y de sus instituciones tal y como las conocemos.

Nos parecía que, con la reciente irrupción de la movilidad y de las redes sociales, el concepto clásico de branding, así como el de su aplicación, ha dejado de funcionar para las marcas. O mejor dicho, ha dejado de ser relevante. Así pues, queremos compartir y hacer comprensible –mediante un concepto marco– la necesidad de interpretar dicho contexto y cómo una marca debe ser capaz de adaptarse a nuevos entornos, contextos, momentos y audiencias.  

En definitiva, el Branding Líquido intenta mostrar como una marca puede generar reconocimiento, influencia y prescripción en ese nuevo paradigma. La clave está en el desarrollo y tratamiento narrativo, gráfico, visual, tipográfico, la dirección de arte de una marca y en su posicionamiento estratégico, y no tanto en la aplicación su identidad.

En la era del contenido y la prescripción como vía de expresión social, pensar que la marca será reconocida y será relevante a través del logotipo es equivocado y anticuado. Pensar que hay que enamorar a un perfil ideal de cliente también lo es. Hay que ser capaces de generar una corriente positiva en relación a ciertas audiencias y, sobre todo en el que será el prescriptor. Para eso hay que ser relevante.

Las marcas se centran en los leads, los kpi’s, en su comunicación, su identidad y en todo lo que que quieren vendernos. Y tal vez obvian lo esencial: la percepción que generan y cómo llegar a ser relevantes para sus audiencias.

Queremos pensar que el concepto que acuñamos como Branding Líquido representa una nueva manera de entender el branding y la comunicación en general y que, en cierta manera, está haciendo fortuna en la medida que hay otras agencias y estudios que ya utilizan el término.

Albert Folch: Antes tenía sentido que el diseño ordenara, que los diseñadores plantearan un método, un patrón, una pauta para que las empresas la implementaran y mejoraran su comunicación. Los soportes así lo requerían. Hoy todo es distinto. Todo se rige por el impacto y por la imagen y esta imagen e impacto deben llegar varias veces al día. Hoy no hay orden ni pauta, sino fluido. Tan caótico cómo se comportan las moléculas de agua en un río.

Openhouse es un magazine bianual con una tirada de 18.000 ejemplares en la versión impresa. Se centra en el concepto de los espacios privados y con ello, creativos de todo el mundo abren sus casas para compartir actividades culturales. Proyecto seleccionado para los Premios Laus 2019.

❝Se puede aprender tanto de la experiencia como de la inexperiencia❞

Es muy difícil concretar el futuro cercano o lejano, pero ¿cómo intuís que cambiará el diseño y la comunicación en la próxima década? ¿Cómo imagináis la profesión en 2030?  

Rafa + Albert: La comunicación estará más en manos de plataformas y menos en las de los medios y las cabeceras actuales, que serán cada vez menos relevantes para las audiencias.

Se empoderará a la gente con todo tipo de herramientas para el diseño, la comunicación, el contenido, la música y la producción en general, lo que permitirá seguir alimentando las plataformas, siendo el diseño un asset esencial al acceso de la gran mayoría.

Para nosotros, por tanto, el reto residirá más en el diseño aplicado al pensamiento, a las ideas. El diseño de marcos mentales, conceptuales o de tendencia que permitan generar las grandes corrientes pensamiento o acción.

Marset Paint and Wood. Proyecto seleccionado para los Premios Laus 2019.

❝Es importante dejar que el talento fluya❞

Siempre que hablamos de un estudio nos referimos a sus éxitos y a los proyectos que les han dado visibilidad. Sin embargo, en esta profesión hay fracasos y proyectos malditos. ¿Por qué nunca hablamos de ellos? ¿Qué se aprende de un mal resultado?

Rafa + Albert: Para nosotros no hay tanto éxitos o fracasos como proyectos asociados a ideas, enfoques y tratamientos. De hecho, ya hace algún tiempo que publicamos proyectos rechazados o no implementados.

La idea de tratar como ‘caso’ un proyecto, más allá de su aplicación, nos ayuda a explicarnos con cierta pureza y claridad más allá de la realidad de su resultado.

El fracaso tratado de forma constructiva pude resultar ser un caso de mayor influencia e interés para nuestra audiencia que cualquier otro. Al final, se trata de encontrar el press angle o un enfoque interesante y compartirlo.

Sois un equipo multidisciplinar. ¿Cómo se construye y cohesiona el equipo Folch? ¿Qué tipo perfiles os resultan interesantes?

Rafa Martínez: Desde hace tiempo no cubrimos posiciones concretas. Buscamos personas con talento en ámbitos muy distintos y amoldamos el equipo a cada perfil, incluso inventándonos, si hace falta, una categoría específica si no existe.

Es importante empoderar de forma positiva e inclusiva, y dejar que el talento fluya y sienta que, lo que hace, tiene sentido y que, en Folch, puede mostrarse con toda su riqueza, pureza y potencial. 

Albert Folch: No hacemos calls buscando perfiles concretos, porque no buscamos llenar huecos, sino gente con talento.

Es probable que nunca hayan salido tantos estudiantes de las escuelas formados en diseño y comunicación. ¿Cómo es el talento joven?

Rafa Martínez: En general es desacomplejado, directo y sabio.

Pienso que en el actual paradigma se puede aprender tanto de la experiencia como de la inexperiencia. A menudo, cuando aterrizamos en un proyecto, en un reto nuevo o sector, nos gusta acercarnos a él con un cierto grado de inexperiencia, ignorancia e irreverencia para poder repensar dicha realidad desde un nuevo prisma. En ese contexto, empoderar el talento joven para hacer algo que no se ha hecho antes es una herramienta poderosísima. 

Albert Folch: Cuando uno cumple ya unos años suele pensar que la gente joven es tal o cual, siempre en relación a como es él. Nosotros pensamos que el talento joven no tiene por qué tenernos en cuenta. Y hará bien en no hacerlo.

Catálogos para Fluvia. Proyecto seleccionado para los Premios Laus 2019.

Es un placer reconocer el afecto a las personas de las que más hemos aprendido, las figuras que nos ayudaron a pensar diferente, que nos hicieron crecer. ¿Quiénes han sido vuestros maestros?, ¿de quién aprendisteis alguna lección fundamental? 

Rafa Martínez: Mis maestros son mi padre, de quien aprendí de su tenacidad y capacidad para moldear la realidad. Mi tío Juanjo, a quien debo el interés por la lectura y la música y Albert, mi amigo y socio, con un criterio muy atinado, un amplio grado de sensatez y gran sentido común y sentido del tempo.

Albert Folch: Con quien mas tiempo he compartido y sigo compartiendo: mis padres, mi socio y mi pareja. De mis padres, el sentido de la responsabilidad y el compromiso, de mi amigo Rafa su pensamiento lateral y de Ángela, su bondad.

❝El pensamiento debe plasmarse en proyectos en papel❞

Odiseo, Openhouse, Dream Magazine o El Dorado. La autoedición de publicaciones es algo que os caracteriza. ¿Cómo surgió la idea? Y, respecto a los contenidos, ¿qué os atrae y cómo los desarrolláis?  

Rafa Martínez: Debemos decir que los casos de Dream y OH tan solo aportamos diseño, que no es poco. La edición siempre nos acompañó. Mezcla distintas disciplinas como diseño, contenido, pensamiento y edición. Para nosotros hoy las marcas justamente son cabeceras. Con lo que cual nos sentimos como pez en el agua.

Albert Folch: El pensamiento debe plasmarse en proyectos en papel. Construir y conceptualizar una cabecera es dejar un legado, un pensamiento, una manera de entender el mundo y el contexto.

En Lisbon, Paris, Madrid nos gusta conocer las fuentes de inspiración de todos aquellos que entrevistamos. Una pregunta así supone adentrarnos en un apartado íntimo sin ningún pudor. Por tanto, sin pudor, ¿qué os inspira?, ¿dónde están vuestras fuentes de inspiración?

Rafa Martínez: Mi mayor fuente de inspiración es el trabajo diario y estar muy atento a mi entorno cercano y al equipo. Estar atento a las pequeñas cosas, a los detalles, a los comentarios vengan de donde vengan. Todo esto es una oportunidad y un signo para el cambio y la inspiración.

Albert Folch: Me inspira aquello que me atrae y no hay nada que más me atraiga que la naturaleza.  

Campaña gráfica para Barcelona Design Week. Un evento dedicado al diseño que organiza FAD y BCD en colaboración con el Museu del Disseny de Barcelona y promotvido por el Ayuntamiento de Barcelona. 

Entre las horas de un viaje Madrid-Tokio, Pablo Rubio se acercó al blog para darnos su visión sobre el momento que está viviendo el diseño. Como CEO y fundador de Erretres, tiene una trayectoria significativa desarrollando proyectos para, entre muchos, Canal+, el Ayuntamiento de Madrid, Chazz (When Chess met Jazz) o Civitatis. En esta entrevista, conversamos con él sobre el papel del diseño en este momento crucial, sobre la iniciativa Erretres Open Lab y su compromiso con la educación y, como no, sobre su inspiración. Conocerle nos permite conocer a unos de los protagonistas de lo que está pasando en nuestro ámbito.

Pablo, bienvenido a Lisbon, Paris, Madrid. Erretres comenzó como un pequeño estudio y ahora tiene una reconocida trayectoria. ¿Cómo ha cambiado tu planteamiento desde su fundación hasta el día de hoy? Crecer implica cambiar, ¿qué hay en ti desde los inicios hasta ahora? Erretres empezó como un microestudio. Trabajamos dos personas durante los tres primeros años y crecimos de una manera orgánica, año tras año, con proyectos cada vez más grandes y más lejos.

De los inicios, mantengo tres ingredientes imprescindibles: ilusión, compromiso con la excelencia y una sana ambición que nos ha permitido llegar hasta el punto donde estamos ahora, y que nos permitirá seguir creciendo personal y profesionalmente.

Vivimos un momento crítico para la profesión. El diseño está presente en todos los sitios y es más importante de lo que ha sido nunca.

Erretres Open Lab es una iniciativa que busca la innovación y el conocimiento. ¿Cómo nació y qué objetivos persigue? Hace ya muchos años me planteaba que dependier de proyectos de clientes era arriesgado y, a veces, frustrante. Con lo que el punto de partida surge de la necesidad de generar productos y acciones por nosotros mismos.

El año pasado, lanzamos Erretres Open Lab (EOL) como una plataforma de innovación y educación. Nuestro objetivo es unir marcas, tecnología, ideas de negocio o distintas problemáticas a las que la sociedad se enfrenta con los usuarios. Todo ello a través del diseño, que se ha convertido en una disciplina clave para intermediar y conectar todos estos entornos.

Durante el primer año, hemos tenido la suerte de contar con la Universidad Europea para el desarrollo del Máster Online de UX y organizar eventos en Madrid o Tokyo. Para este año, tenemos más cosas preparadas, pero sin perder el foco en la educación y la innovación.

El diseño está muy atomizado, faltan grandes empresas referentes y liderazgos individuales.

En el último año han surgido varias iniciativas que buscan reforzar a los profesionales del diseño como comunidad, creando lazos y fomentando el networking. ¿Por qué en este momento necesitamos unirnos? Vivimos un momento crítico para la profesión. El diseño está presente en todos los sitios y es más importante de lo que ha sido nunca. Como consecuencia, hay una gran comunidad de diseño que no sólo esta en estudios o agencias, sino en empresas, instituciones, gobiernos, educación, etc. Pero, por otro lado, la supervivencia de los estudios tradicionales no está garantizada y la profesión se enfrenta a retos descomunales que requieren soluciones que integren a toda la comunidad.

El diseño está muy atomizado, faltan grandes empresas referentes y liderazgos individuales. En este país todavía no se tiene claro qué aporta el diseño. Y, por todo esto es más necesario que nunca estar alineados.

Estrategia, identidad visual y packaging para SIDO.

Erretres trabaja en el mercado japonés y anglosajón. Cambian los clientes y cambian los proyectos. ¿Es diferente trabajar en uno u otro y respecto al mercado español? El mercado occidental es muy parecido. Los clientes tienen experiencia y saben lo que pueden conseguir con el diseño, lo cual es positivo. Pero, por otro lado, cada vez hay más competencia. Conseguir un proyecto grande implica un esfuerzo descomunal. A veces pecamos de tener una visión cortoplacista y se valora el precio y la rapidez, frente a la calidad del delivery o el impacto.

Cuando trabajas con Asia, especialmente Japón, es diferente. Se trabaja despacio, pero se trabaja bien, sin atajos. Todo el mundo puede hablar de branding o UX, pero poca gente sabe en qué consisten. Claramente es otro planeta, lo cual es, por un lado, una oportunidad y, por otro, un gran desafío.

En Japón vender diseño o branding es casi imposible. Ellos tienen una gran calidad en diseño, basado en su obsesión por la calidad, el servicio y las grandes marcas. Con lo que siempre la oportunidad surge porque quieren vender más o quieren exportar sus productos. Es un país orientado a resultados y, por eso, es imprescindible reorientar nuestro discurso.

Este es un tiempo de cambio. Nacho Padilla replantea el concepto de Marca Cuidad y Folch el concepto de branding. Estamos en un punto de inflexión, pero ¿hacia dónde se dirige el diseño de marcas? Creo que a Nacho Padilla le tendríamos que otorgar el nombre de una calle de Madrid y Albert Folch lleva haciendo cosas maravillosas desde hace más de diez años, siempre con una visión única que va mucho más allá del diseño visual.

El trabajo que ha hecho estos años Nacho Padilla es inconmensurable, sobre todo por la construcción de un relato colectivo muy creíble que se apoya en la diversidad de la ciudad. Folch, por otro lado, pone el foco en la narrativa de marca más que en la creación de un sistema de identidad que se implementa y repite hasta la saciedad. Ambos, han construido un relato en torno al diseño y el branding que aporta luz a la profesión.

“Una ciudad que abraza sus tradiciones y valores tanto como a sus habitantes y visitantes. Un sistema visual que comunica, con tono fresco y emocionante, a los turistas y a todos los que se sienten locales”. Madrid Te Abraza, el proyecto de Erretres para el Ayuntamiento de Madrid.

Son dos planteamiento muy válidos y con los que coincido al cien por cien, pero a veces no son trasladables a marcas de gran consumo o a marcas que tienen una propuesta de producto muy definida en el mercado internacional. Es muy diferente gestionar la marca de un museo o una ciudad respecto a una marca de gran consumo. Más que un punto de inflexión, es un punto de conexión entre marcas de entornos como la cultura o la moda y marcas más comerciales. En todo caso, es un debate súper interesante.

La calidad profesional y humana del cliente determina la calidad e impacto del proyecto.

Vuestro trabajo para Canal+ rompió con todo y despertó el interés de todos. ¿Qué destacas hoy de aquel proyecto? Del proyecto de Canal+ destaco la calidad profesional y humana del cliente que, en muchos casos, es lo que determina la calidad e impacto del proyecto. Tanto a nivel del equipo creativo y de marketing, como de máxima responsabilidad de la casa, donde encontramos un compromiso total.

Nos vimos ante el reto de transformar una marca con un prestigio histórico brutal, pero que se había convertido en algo frío, arrogante y desconectado de sus públicos. Se planteó una revolución manteniendo el logotipo y la tipografía. Apostamos por poner al usuario en el centro y no los contenidos. Todo ello, con unos códigos de diseño gráfico clásicos o muy de Erretres. Nada de 3D ni efectos de pirotecnia. Empezamos a hablar de user-centric branding, personalización… todo mucho antes de la llegada de Netflix, HBO y las nuevas plataformas.

Es proyecto de rebranding de Canal+ fue Premio BID’14 en la Bienal Iberoamericana de Diseño y Premio Pencil D&AD.

Respecto a esto, el panorama de las plataformas de contenidos y de la forma en que se consumen esos contenidos está cambiando de forma radical de forma casi constante. ¿Hacia dónde se dirige el TV branding? Debo decir que no consumo televisión convencional, aunque su consumo todavía representa un gran porcentaje.

La mejor ficción se produce en las plataformas, y es admirable, por ejemplo, lo que esta haciendo Movistar pero, por otro lado, la pelea está en conseguir una gran masa crítica de usuarios en cada rincón del planeta, poniendo el foco en la experiencia de usuario y el interface. Los contenidos, más allá de la calidad, tienen que ser diversos para ser relevantes a una audiencia internacional.

Netflix, HBO, Apple, Amazon… creo que los players convencionales lo van a tener muy difícil para competir en el largo plazo salvo que se focalicen en la calidad, la proximidad con sus públicos y hagan una salvaje apuesta por la experiencia de usuario y el diseño. Es lo que ha salvado a Spotify frente a un gigante como Apple.

La transformación digital es una fase terminada. Ya somos digitales y, ahora, ahora buscamos la disrupción. ¿Qué papel tiene el diseño en este nuevo reto? Sensación agridulce. Los patrones de navegación los definen grandes plataformas como Android, iOS, Facebook o Line. Eso es fantástico, pero a la vez hace que todas las experiencias sean similares. Dentro de unos años tendremos un coche que será Android o iOS; El 5G es revolucionario y todo estará conectado. La experiencia cada vez es más fluida y las decisiones de compra se basarán en criterios sobre quién hace mejor uso de mis datos o en qué sistema me siento más seguro. El veto de Google a Huawei nos da muchas pistas de la dependencia que tienen todos los fabricantes de hardware de un sistema operativo como Android.

El futuro es imposible de discernir, pero con todo esto, hay que pensar que el diseño será clave para entender las nuevas tecnologías y conectarlas con los usuarios.

Por último, la transformación digital no está terminada. Solo hay que ver webs de las distintas administraciones del Estado o de las medianas y pequeñas empresas de este país. Tampoco hemos empezado a integrar lo que la tecnología nos ofrece en entornos físicos como el retail, la ciudad, etc. Hay mucho que hacer. Todavía estamos en la prehistoria.

Este es mi mensaje para la gente que está empezando: aprovecha todo lo que te ofrece el mundo, sé el protagonista de tu vida. Si quieres hacer algo, just do it, que nadie te pare.

La fuerza de la vocación es mucha cuando hablamos de diseño y tecnología. ¿Qué mensaje podemos dar al talento joven que quiere seguir su vocación y dar rienda suelta al poder de la creatividad? Vivimos en un momento maravilloso. Los jóvenes tienen acceso a una educación top, con toda la información del mundo a dos clicks y la posibilidad de trabajar en cualquier punto del planeta. Todo esto es muy reciente, hace tan sólo diez años no contábamos con estas oportunidades. Lo malo, es que esas mismas herramientas las tienen millones de personas en el mundo. Cada año aplican millones de personas para trabajar en Google o estudiar en una universidad americana. Tenemos todas las herramientas, pero hay más competencia que nunca.

Lo que no ha cambiado y no cambiará es la motivación y empuje de las personas. Siempre he pensado que el 99% de tu éxito profesional depende exclusivamente de ti. Con lo que ese es mi mensaje para la gente que está empezando: aprovecha todo lo que te ofrece el mundo, la educación o la familia, pero sé el protagonista de tu vida. Si quieres hacer algo, just do it, que nadie te pare.

La mayor fuente de inspiración está en las personas, en sus proyectos.

Nudista incluye naming, desarrollo de identidad y sistematización de etiquetado para el proyecto de conservas de Micky Irisarri.

¿Qué te inspira?, ¿dónde están tus fuentes de inspiración? En Lisbon, Paris, Madrid nos intrigan las fuentes de inspiración de todos los que trabajan en el ámbito creativo. Muchas veces buscamos inspiración mirando los blogs de diseño o las revistas que mira todo el mundo. Eso está muy bien para tener una base de conocimiento enciclopédico, pero no te lleva a hacer cosas innovadoras.

La mayor fuente de inspiración está en las personas, en sus proyectos, en la naturaleza y, por supuesto, en disciplinas como la literatura, el cine, al arte, la ciencia o la tecnología. Además es imprescindible cambiar de coordenadas. Viajar ayuda mucho, pero también acercarse a los proyectos desde distintos puntos de vista. Hay que intentar romper las dinámicas y rutinas. Salir de la zona de confort. Las mejores ideas surgen de la necesidad de resolver un problema desde un punto de vista diferente.

Para tener una visión completa de cómo es el diseño hoy, debemos conocer a diseñadores que, en algún momento de su carrera, apostaron por su propio estilo y su propia manera de hacer. Diseñadores que, dando un paso al frente, han marcado un camino a seguir con sus ideas y proyectos. Un caso significativo es el de Verònica Fuerte, Fundadora y Directora Creativa del estudio barcelonés Hey, galardonada con 7 premios ADC Young Guns y con proyectos publicados en prestigiosos medios como It’s Nice That, DesignBoom, Communication Arts y AIGA.

Verònica ha creado un lenguage visual simple, directo y optimista. Un lenguage que habla claro tanto en papel como en pantalla, que aporta relevancia a clientes grandes y pequeños y que también es el motor de su HeyShop donde expone y vende sus proyectos más personales que nacen desde la libertad, sin las ataduras ni la presión a la que nos vemos sometidos los diseñadores.

En esta entrevista, Verònica nos acerca su percepción sobre la profesión y su experiencia, con ideas sólidas y una trayectoria que va más allá de nuestras fronteras.

Verónica, bienvenida a Lisbon, Paris, Madrid. Fundadora y Directora Creativa de Hey, ¿por qué decides fundar el estudio? Lo fundé en 2007 después de trabajar en varios estudios de diseño en Barcelona. En ese momento, tuve la necesidad de crear mi propio estilo y mi propia manera de hacer. Para eso, necesité parar y darme tiempo para evolucionar.

Todo cambia y pocas cosas se mantienen constantes. ¿Qué hay de la filosofía original al crear el estudio? ¿Cómo ha cambiado o cómo se ha ido transformando? La esencia es la misma pero, después de trece años, han cambiado muchas cosas. Desde el tipo de proyectos que hacía, que al principio tenían un enfoque más gráfico y ahora son mucho más amplios y multidisciplinares y, por supuesto, los conocimientos y experiencias que he adquirido en estos años. También la gente que me rodea. Hemos aprendido todos.

Debemos romper con nuestra historia para poder evolucionar.

Al igual que en otros sectores, en diseño también se reclama la visibilidad de las mujeres. Hay muchas iniciativas en marcha, como Ladies, Wine & Design, fundado por Jessica Walsh, pero lo más importante es que todas nos hemos unido luchando por un mismo objetivo. ¿Cómo lograremos tener una voz más fuerte? En poco tiempo, el movimiento Me Too ha hecho mucho, pero falta tiempo. Romper la historia y la cultura no es algo que sucede rápidamente. Además, las responsabilidades tienen que asumirse desde todos los ángulos, contratando equitativamente en ámbitos políticos y profesionales. Debemos romper con nuestra historia para poder evolucionar.

En marzo de 2020, Hey dio forma a la idea de Caravelle de fomentar una perspectiva más positiva sobre el confinamiento, llevando el bar a casa. Para lograrlo se realizó un diseño optimista, con etiquetas simples, flexibles y hechas a mano para ayudar a Caravelle Brewery a transformar rápidamente su nueva gama de cócteles y entregarlos en las casas. Fotografías de Enric Badrinas.

El diseño ha pasado de ser una herramienta comercial con un valor puramente estético a una cuestión estratégica. Su carácter efímero también se está transformando hacia planteamientos a largo plazo. ¿Ha cambiado la percepción del diseño? Ahora, con la pandemia, se ha visto de forma exagerada la necesidad del diseño y de la comunicación. Se ha entendido que el diseño se tiene que ver como algo estructural y no como un valor añadido.

Con el paso del tiempo, especialmente en España, el diseño se está empezando a entender como algo necesario y los diseñadores estamos más valorados. Al igual que con la cuestión de la igualdad, también la percepción óptima del diseño necesita tiempo.

El color es un lenguaje universal. Un lenguaje que todo el mundo entiende porque los colores tienen significados por sí solos.

Yeh es un proyecto que celebró la primera década de Hey. Contó con una exposición y diferentes actividades creativas celebradas en el espacio Montoya de Barcelona. Yeh es Hey al revés, un nombre conceptual creado por la agencia de comunicación Usted, que habla de la retrospectiva del estudio como si se miraran en un espejo.

Una de las apuestas de Hey es la internacionalización y otra, trabajar indistintamente con pequeños y grandes clientes. Este planteamiento en apariencia sencillo, ¿enriquece vuestra visión? Encontrar el equilibrio entre proyectos grandes y pequeños es lo más difícil. Si solo tuviéramos proyectos grandes o solo pequeños la balanza estaría desequilibrada.

Hay que saber encontrar a los grandes y, al mismo tiempo, combinarlos con pequeños proyectos porque nos aportan agilidad y frescura creativa. Algo que muchas veces los grandes no nos lo permiten, por deadlines o por las estrictas pautas que imponen, que no dejan experimentar con la creatividad. Además, en nuestro caso, todo esto se combina con proyectos personales.

Hey es un canto a los colores vivos y las paletas radiantes. Es algo que siempre está presente en vuestros proyectos. ¿Qué significa el color en diseño? El color es un lenguaje universal. Un lenguaje que todo el mundo entiende porque los colores tienen significados por sí solos.

Para mí son la manera más fácil de expresarme gráficamente, además de otros ingredientes, como pueden ser la geometría o la tipografía. Pero el color es mi herramienta porque, en cualquier lugar del mundo, se entiende.

Camping es un chiringuito urbano diseñado para seducir los sentidos y cumplir los sueños de verano. La identidad se basa en las clásicas rayas azules y blancas mediterráneas pero con un toque refrescante. Fotografías de Enric Badrinas.

Los diseñadores debemos tener capacidad para convertir un briefing árido en un documento creativo y abierto. ¿Cómo dar vuelta a un mal briefing? Muchas veces nos llegan briefings que no están todo lo bien que deberían, pero ocurre porque algunos clientes no lo saben crear. Por eso, nuestra responsabilidad como diseñadores es rehacerlos para llegar al brief perfecto.

Y, ¿cómo se logra? Haciendo muchas preguntas a los clientes y buscando el feedback continuo, como un partido de tenis, preguntas-respuestas, preguntas-respuestas. Pero la responsabilidad del diseñador es crear esos buenos briefings hasta hacerlos perfectos, porque la mayoría de los problemas surgen por un mal planteamiento inicial.

Diseño de invitación de boda con una representación gráfica y abstracta del matrimonio. Dos formas circulares que se unen y encajan perfectamente para celebrar la unión. El uso de papel de color fue esencial para desarrollar el concepto con un acabado impecable. Fotografías de Enric Badrinas.

Lisbon-Paris-Madrid está dedicado a las fuentes de inspiración de los diseñadores. ¿Cuáles son las tuyas?  Son muchas. No sabría decir una concreta. Creo que tenemos que estar despiertos al día a día, en el trabajo, con tus amigos, con tu familia. Estar despierto a lo que vemos. Todo tiene que ayudar a la inspiración.

Y, por último, ¿volverías a ser diseñadora si volvieras a empezar? Creo que sí. Ahora me considero diseñadora, pero lo que hago son lenguajes visuales que se aplican a todo lo que nos propongamos o nos proponen.

Al principio hacía diseños puros y, ahora, abarco conceptos mucho más amplios. Así que, quizás tendría que haber aplicado estos conceptos desde el inicio de mi carrera y no desde hace solo un tiempo. Pero creo que es bonito porque significa evolución a lo largo de los años.

Con sede en Miami, Jammy Yummy tiene una gran variedad de sabrosas mermeladas de verduras hechas a mano, pensadas para bocadillos divertidos. Hey creó la identidad de marca y su packaging inspirándose en la idea de fiesta. Las etiquetas tienen perforaciones troqueladas al azar y los agujeros sugieren los mordiscos que con gusto damos a la comida deliciosa.

Disponible en HeyShop, HeyBag es una colaboración con la diseñadora de producto barcelonesa Júlia Esqué. Unas bolsas de tela para toldos, tejida localmente, impermeable y resistente a la luz solar. La producción es de Ared, que emplea a personas socialmente excluidas.

La diseñadora Nùria Vila es una pionera. Antes de que la sostenibilidad fuera un término común, antes de que formara parte del discurso de las marcas y antes de que fuera unos de los objetivos mundiales a alcanzar en 2030 (ODS), ella los interiorizó e incorporó a su vida y a trabajo.

Sus proyectos, equilibrios perfectos entre lo ético y lo estético, son un ejemplo para abrir los ojos ante una realidad que ya es imposible de ignorar. Y, conocer su filosofía, nos ayuda a los diseñadores a entender nuestra responsabilidad con el entorno y porqué nuestra profesión tiene tanto que decir, tanto que aportar y aún tanto que mejorar.

¿Cuándo empezaste a sentir curiosidad por el diseño? Y, ¿cómo lo uniste con tu compromiso con el medio ambiente? Todo empezó cuando fui a ver una exposición de carteles de Joan Brossa. Su poesía visual me cautivó, decidí probar con el diseño gráfico, y me enamoró. Estudié en Bau y tuve la suerte de compartir clase con Raúl Ramos y Mireia Ruiz entre otros muchos. Todos nos auto-motivábamos para seguir experimentando y aprendiendo porque el diseño es un mundo apasionante en el que siempre se puede seguir aprendiendo. No tiene fin.

Y mi compromiso con el medio ambiente fue algo orgánico. Desde pequeña, he ido a L’esplai y nuestro lema era deja siempre todo igual o mejor que lo encontraste. Esto es la esencia de la sosteniblidad. Satisfacer nuestras necesidades sin perjudicar a las generaciones futuras. Pero mi punto de inflexión fue un viaje a El Salvador. Allí grabé un documental para una asociación con niños discapacitados y todo cambió. Fue un viaje interno. Disfruté la experiencia, su gente, su cultura y sus historias recientes de la postguerra. Al regresar, estaba rebotada con el mundo. Con las injusticias, el capitalismo y el egoísmo. Me sentía mal por ser parte de ello y por ayudar a vender productos en los que no creía.

Tuve un conflicto interno y decidí dejarlo todo. En ese proceso fui diseñadora freelance. Mi entorno está muy relacionado con el mundo rural, así que empecé a trabajar para el Consorci de Gallecs. En sus briefings siempre tenía que transmitir ecología y sosteniblidad. Y qué mejor manera que intentar que el diseño, en sí mismo, estuviera producido de manera sostenible y respetuosa con el medio ambiente, en vez de intentar imitar su apariencia.

¿Qué es realmente la sostenibilidad? ¿Cómo ha cambiado este concepto en los últimos años y en el último año? Entendemos sostenibilidad cómo un desarrollo económico, social y ambiental para satisfacer nuestras necesidades, sin perjudicar a las generaciones futuras. Pero algo no hemos cumplido.

El concepto de Desarrollo Sostenible se presentó en el World Commission on Environment and Development – conocido como el informe Brundtland– y elaborado por distintas naciones en 1987 para la ONU. Consiste en tener en cuenta lo social, lo económico y lo ambiental para lograr lo vivible, lo viable y la equidad. 

Pero, en este último año, el valor de sosteniblidad se ha perdido. Se está usando esta palabra para que las marcas puedan vender más, dejándola vacía de contenido. Esto nos lleva al greenwashing. Pero ahora es fácil identificar a las marcas que se verdaderamente actúan y a las que solo es fachada.

Enfoco mis diseños a modelos más sostenibles porque 100% sostenibles, no es posible.

Nùria Vila

Según los científicos, nos quedan menos de 9 años para que la situación sea irreversible, así que me encanta que todos nos subamos al carro de la sostenibilidad. Pero, para poder hacerlo, tenemos que cambiar. Crear acciones que realmente reduzcan el impacto ambiental. Como decía Emmeline Pankhurst: Acciones, no palabras.  

¿Qué tipo de proyectos llevas a cabo y cómo integras la sostenibilidad y la ética en ellos? Actualmente tengo proyectos de identidad corporativa, packaging, editorial, comunicación y webs. También he tenido la oportunidad de ser comisaria de la exposición Plastic, genial o pervers? del Museu Vida Rural que forma parte de la Fundació Carulla. En esta exposición también también diseñé el espacio expositivo y realicé una instalación. A partir de esta experiencia, sigo colaborando con el museo en diferentes proyectos donde exploro lo artístico y experimental.

Mi manera de diseñar va con mi estilo de vida. La sosteniblidad para mí es tan esencial como buscar el equilibrio entre forma y función. Trato de diseñar teniendo en cuenta el ciclo de vida, pensando en la extracción y el procesado de los materiales, seleccionando los que provienen de desechos, o usando materias primas de origen vegetal para que vuelvan a la tierra en forma de nutrientes cuando llegue el fin de su vida.

Como diseñadores, debemos tener en cuenta cómo y dónde se va a distribuir nuestro trabajo para decidir dónde producir y ensamblar, fomentando lo local, el Kilómetro Cero y el uso de energías renovables en los procesos. En cuanto a la distribución, debemos tener en cuenta el tipo de transporte y, a ser posible, que el producto ocupe y pese poco. Una vez que el diseño llegue al consumidor, debemos lograr que se alargue al máximo su vida útil fomentando la reutilización o reparación y, cuando llegue a su fin, se debe optimizar su gestión. Para todo ello, debemos generar diseños circulares y, en el caso de no poder serlos, debemos trabajar con mono-materiales para facilitar su reciclaje.

Las marcas usan la palabra sostenibilidad para vender más y la dejan vacía de contenido

Nùria Vila

¿Cuál es tu proceso de trabajo? Intento trabajar codo a codo con el cliente para hacerle participe del proceso. Elaboramos un briefing conjunto para tener claros los objetivos y el camino a seguir. Empiezo con una investigación previa, un análisis y unas conclusiones para poder decidir la estrategia que seguiremos y detectar qué partes tienen un mayor impacto ambiental y así reducirlo a través del diseño.

En mi proceso de trabajo, las diferentes fases del ciclo de vida de los productos son básicas. 

Tienes una importante experiencia docente y conoces bien a las nuevas generaciones de diseñadores. Para ellos, ¿es más fácil trabajar en términos de sostenibilidad? Cada vez encuentro alumnos más preocupados y comprometidos. Las nuevas generaciones tienen sensibilidad y compromiso con el medio ambiente y son conscientes del futuro que les estamos dejando.

El movimiento Fridays for Future es un gran ejemplo reclamando políticas ambientales para dejar de destruir el planeta. Los recursos se están agotando y existe la necesidad de trabajar de manera más sostenible. Esto hace que surjan nuevas oportunidades de negocio relacionadas con la sostenibilidad como eje principal.

El sistema capitalista en el que vivimos hace que consumamos sin pensar. Debemos parar y reflexionar sobre cómo consumimos, el uso y abuso que hacemos de las cosas. El planeta tiene los recursos finitos y vivimos por encima de ellos. ¡Tenemos que empezar a actuar ya, antes que sea demasiado tarde!

El 80% del impacto ambiental de un diseño se decide en la primera fase. La nuestra.

Nùria Vila

Hay muchas iniciativas a nivel internacional y nacional sobre diseño y sostenibilidad. ¿Cuáles te resultan interesantes? Cada vez hay más iniciativas y nuevas propuestas, aunque aún queda mucho por hacer.

Me fascina el movimiento de investigación y experimentación de biomateriales, muchos de ellos a partir de residuos. Creo que aquí está la clave. Saber darle una nueva vida a algo que se ha convertido en un residuo. Sobre este tema recomiendo la Fundación Ellen McArthur donde hacen divulgación del diseño circular. También es muy interesante Massive Change, una propuesta de Bruce Mau, y también la iniciativa re-nourish.

A nivel nacional, me resulta interesante EnCircular de la ADCV y su herramienta digital que permite aplicar una metodología de eco-diseño evaluando y valorando proyectos de diseño gráfico, desde el punto de vista de la eco-eficiencia y la sostenibilidad, creado por la La Page Original. 

Un diseñador trabaja como es. Aplica su estilo de vida y su concepción del mundo en sus proyectos. Parece que es indisoluble nuestra perspectiva como diseñadores y cómo ciudadanos. Pero aún nos queda mucho por hacer. ¿Cómo avanzamos en este sentido los profesionales del diseño? Debemos aliarnos con la naturaleza. Tener presente que si no cuidamos nuestro entorno y la gente que vive en él, acabaremos sin nada. Debemos cambiar nuestra manera de vivir: reducir, reutilizar y como última opción, reciclar.  Como dice Al Gore: “La dicotomía entre desarrollo y sostenibilidad es falsa. Sin planeta, no hay economía que valga.” 

El 80% del impacto ambiental de un diseño se decide en la primera fase. La nuestra. Así que los diseñadores tenemos el poder de cambiar las cosas y ser agentes del cambio. 

¿Qué te inspira? La arquitectura y el diseño industrial me ha ayudado a entender cómo minimizar el impacto ambiental y reducir la huella ecológica para aplicarlo al diseño gráfico. 

Me inspira todo: literatura, danza, teatro, escultura o pintura. Pero es cierto que consumo distintas redes sociales que también son fuentes de inspiración, aunque son un arma de doble filo. A veces, me saturan tantos impactos visuales y busco equilibrio en la naturaleza para desconectar y dejar la mente en blanco.

Dos hermanas gemelas. Una es Marta y estudió Arquitectura Técnica y, la otra, es Eva y estudió Bellas Artes donde descubrió la disciplina del diseño gráfico. Las dos se engancharon a él y, de forma natural, nació el estudio Yarza Twins hace 3 años. Aunque su historia parece reciente, ya son un punto de referencia y su trabajo ha sido premiado en 2018 con un D&AD Pencil in Packaging Design y, este mismo año, con el Premio Nacional de Diseño y el Premio Gallego de Innovación y Diseño.

De origen vigués, las hermanas Yarza se han establecido en Londres y París para impulsar su carrera. Su portfolio, vitalista y experimental, es solo una muestra de lo que está por venir. Sigamos su pista.

Eva, Marta, bienvenidas a Lisbon-Paris-Madrid. Dos hermanas que trabajan en equipo es vuestro sello de identidad. ¿Cómo nació en vosotras la vocación de diseño y cuál ha sido la trayectoria que habéis seguido hasta hoy? Muchas gracias por invitarnos. Para nosotras, como gemelas y creativas, trabajar juntas en proyectos artísticos se dio de forma natural desde nuestra infancia. Siempre planteábamos retos creativos, testábamos nuevas ideas o técnicas y creábamos mundos fantásticos. Nunca faltó un lápiz en nuestra mano antes de saber lo que era el diseño gráfico y antes de entender que se pudiera vivir de tu creatividad.

Campaña de redes sociales para el lanzamiento del modelo Nova 5T de Huawei. El concepto que desarrollaron en esta ocasión era sobre como un smartphone nos permite disfrutar de la libertd que las nuevas tecnologías nos ofrecen en términos creativos.

El diseño se valora cada día más. Por eso, también es más competitivo. ¿Qué aporta vuestro estudio en este sector saturado? ¿Cómo enfocáis los proyectos para diferenciaros? Para nosotras es muy importante el concepto en del diseño. No nos gusta hacer algo bonito si esto no tiene un porqué. Aunque también es cierto que no nos gusta hacer algo feo simplemente porque tenga un concepto fantástico detrás. Trabajamos con el balance. 

El hecho de que una persona tenga un título universitario no lo hace más inteligente. Lo mismo ocurre con el hecho de ser diseñador. No te hace ser más abierto de mente.

Yarza Twins

Hace pocas semanas recibisteis el Premio Nacional de Diseño. ¿Qué significa este reconocimiento en vuestra carrera? Y, desde un plano emocional más allá de lo profesional, ¿cómo os sentís por el hecho de ser reconocidas? Este año hemos ganado dos premios muy especiales: el Premio Nacional de Diseño y el Premio Gallego de Innovación y Diseño. Para nosotras, como millennials emigradas al extranjero por las sucesivas crisis económicas que han minado las posibilidades de desarrollarnos profesionalmente en España, estos premios suponen que por fin se nos valore como profesionales en nuestra tierra.

También nos da un impulso para apostar por la innovación e intentar cambiar las cosas. Empezamos a ver viable, por fin, volver a nuestra amada tierra. 

El rediseño de la revista NEO 2 es uno de los proyectos por el que las hermanas Yarza son más conocidas. Su apuesta fue “un diseño disruptivo” para mostrar al mundo lo más nuevo de los creadores nacionales en ámbitos como la moda, el arte, la música y la cultura.

El proyecto incluye un nuevo diseño de la marca NEO 2 con un logotipo que “representa la fluidez de las artes y cómo evolucionan, fluyen y cambian despacio, como un río”. En el año 2020 Yarza Twins rehicieron el diseño y añadieron al proyecto nuevas tipografías y guidelines.

Trabajáis en un entorno internacional, así que podéis aportar una visión más abierta sobre el diseño. Sabemos que hay excelente talento en el plano nacional, que el diseño se entiende cada vez más a nivel global y que es un elemento que aporta valor. Pero, siendo críticos con nuestra industria, ¿qué puede mejorar el diseño nacional? ¿Qué ocurre en la industria en otros países que no está pasando aquí? La principal diferencia entre el diseño gráfico español con el británico o americano es la inversión. Mientras que en España se considera el diseño como un ‘pinta y colorea’, en Reino Unido se sabe que es una de las herramientas de marketing más potentes que una marca pueda tener. Y por tanto, se invierte en él.

En el lado positivo, el hecho de que el diseño gráfico sea algo relativamente nuevo en España, ayuda en que no hay reglas establecidas, por lo que es más fácil innovar y hacer las cosas de otra manera. 

Otras de las especialidades en las que han trabajado Yarza Twins en la del diseño de tipografías. En este caso, Hilario es una tipografía Extended Bold Neue Grotesk inspirada por la estética del Este de Europa en los años 90. Disponible en TrueType (.ttf) y OpenType (.otf), junto con la tipografía diseñaron un poético libro para mostrar el espécimen tipográfico completo.

En la profesión del diseñador todo cambia. Desde el software con el que trabajamos y los inputs que nos llegan cada día, hasta las destrezas que debemos tener o las plataformas en las que se aplican nuestras creaciones. El hecho que estemos en un ámbito tan cambiante, ¿hace que los diseñadores, por defecto, tengamos una mente abierta? No necesariamente. El hecho de que una persona tenga un título universitario no la hace más inteligente. Lo mismo ocurre con esto. El hecho de que seas diseñador no te hace más abierto de mente.

Existen diseñadores que no quieren aprender nada nuevo y siguen con su técnica de A, B y C. Mientras que otros son más apasionados y aventureros e investigan nuevas ideas, formas de entender el diseño y nuevas tecnologías. Eso son los que verdaderamente tienen la mente abierta. 

Nos gusta abarcar muchas disciplinas porque, de esa manera, cada proyecto se diferencia del resto.

Yarza Twins

Un proyecto cargado de emoción de las hermanas Yarza es Salvemos Panificadora. Su propósito es evitar la demolición de una antigua fábrica de pan abandonada durante veinte años en el centro de la ciudad de Vigo, con el objetivo de reconvertirlo en un centro de arte. El edificio, que data de 1924 y es de estilo brutalista, aún se mantiene en pie. La campaña promovida por Yarza Twins ha reunido más de 5.000 firmas para evitar su destrucción por ser parte de la historia arquitectónica e industrial de esta región gallega.

Usando la referencia de los silos de la propia fábrica, Eva y Marta Yarza desarrollan una identidad gráfica en el que la geometría y la tipografía son protagonistas.

¿Quién os ha marcado? y, ¿cuáles son las vuestras fuentes de inspiración? Nos inspiran los clásicos. Tibor Kalman, Stefan Sagmeister y Lance Wyman, así como Paula Scher y Marina Willer. Pero también encontramos inspiración en el arte, por ejemplo, en Marina Abramovic, Warhol, Frida Kahlo y Dalí.

En general, todo nos inspira. Una canción, pasear por un parque o una conversación. Nos gusta estar al tanto de las tendencias del diseño a través de las redes sociales y de estar en contacto con las maravillosas personas de nuestra industria. 

Blackbook es una bodega urbana británica que hace sus productos basándose en los conceptos de tradición e innovación. Ofrecen vinos de alta calidad y Yarza Twins se encargaron de crear su identidad completa y el diseño del packaging.

En vuestros proyectos abrazáis diferentes disciplinas del diseño. ¿Con cuál disfrutáis más? Pero, con la mente puesta en el futuro, ¿qué disciplinas os gustaría explorar? Nos gustan todas por igual. Creemos que en la variedad está el gusto. Nos gusta abarcar muchas disciplinas porque de esa manera cada proyecto se diferencia del resto. No nos gusta repetirnos y a veces, para eso, necesitas aprender cosas nuevas.

Colaboración de Marta y Eva Yarza con HP y Smirnoff para crear una edición limitada de botellas inspiradas por el concepto de la diversidad. Cada botella de esta serie es única gracias al plugin Smartstream D4D de HP con el que se pueden crear millones de variaciones sobre un diseño con un solo clic.

Jeffrey Ludlow is back at Lisbon-Paris-Madrid. A lot has changed since his first interview here in 2017. Things have changed to him, to you, to us as a society, to companies and institutions. The design’s standards changed, and also this blog does –a free digital space that has grown up during these years. And saying hello! again to Jeffrey, an architect who is in love with design in all its forms, I inaugurate a new chapter in which international creatives are invited to join me, expressing themselves in their own native language.

In this interview, Jeffrey talks to us about his remarkable career path in the last four years, about Point of Reference –the brand new project he is involved now, about his passion for signage and wayfinding, about the frugality of the Spanish’s culture or the deep interests of the youngest design students. Let’s see what an American architect-designer think about the complexity of our time.

Aurora Cannabis Retail Design

Welcome again to Lisbon-Paris-Madrid, Jeffrey. We talked with you a few years ago, but many things have happened during this time. What did you do? What are you up to now? Since we last spoke, a lot has changed. After 11 great years at 2×4, I left to become the second Chief Creative Director at Bruce Mau Design in Toronto, after Bruce Mau.

At the time, it seemed like the right career step: a larger company, a large team and larger projects. However, after year in Toronto, I realized that my understanding of creativity and leadership didn’t fit well into a heavily tiered corporation. I don’t regret the experience, but it was a learning moment where I recognized my limits as a creative person and as a leader en masse.

It took that year away for me to realize that I need to be involved in a project to represent it and that I excel as an involved leader of a small diverse teams rather than a large corporation. Hence the return to Madrid to start up Point of Reference. The new chapter.

The less we have to explain projects, the better

JEFFREY LUDLOW

You define Point of Reference as a small design studio where the team works with clarity and curiosity for architecture, design, commerce and culture. What does clarity and curiosity mean for you? Why are these concepts interesting for a design study? Small yes, as a reaction to the previous question, but small is more our size rather indicating our ambition or size of clients or output.

And as for clarity and curiosity as a pairing, those two words came out of us thinking about the type of work that we have done, the type of work we wanted, and what our clients said were our strengths. Although the two words appear to be opposites, the friction between the two is what we find interesting, ambitious and representative of our work.

Clarity is about defining a strategy/objective for the project. It is a goal. Curiosity is to be un-defined by a medium, an aesthetic or technique. It is about a process to not settle on a thing. It is that internal push and pull within our studio where the interesting projects come from.

Schneider Colao_Poster Series

The COVID crisis forces us to redefine many things in our lives and jobs. From your point of view, how has design reacted to this breakingpoint? COVID made us rethink a lot of things as individuals, but as an office the recurring issue was the studio as a physical space. Do we keep it, or do we discard it and work remotely forever? We initially questioned the studio as a place within the first few months of COVID, when we couldn’t use it. Enjoyed it when we could return and realized that the office was both a place virtually and a physically. Where Zoom was our Rear-View Window into each other’s lives.

Now what we have loosely settled on, is that a physical space like an office and working with each other is a luxury not a necessity, so working from home is ok. That being said, we communicate space and people who create space, so our studio is our temple and carries a lot of importance for us.

Not sure if it was COVID influenced or a generational thing, but younger students ARE actively looking to solve these big problems that we are living in whether it is COVID, equality or environmental

JEFFREY LUDLOW

What initiatives that emerged from this COVID crisis have seemed most interesting to you? The initiatives that most interest us, are those that deal with environment and its overlap into our process. Can we limit project travel, if we all can meet online? How can we influence our clients to move towards more conscious environmental choices as much as we can without being dogmatic?

You are also very close to IE University, teaching at the Architecture and Design School. From your experience, how has design education adapted to the new reality we are living in? I teach the final semester at IE Design Program. Where for 5 months, I guide/tutor each student on their final project. The individual projects are a merger of the students’ talents and interest.

Not sure if it was COVID influenced or a generational thing, but I think this younger generation of students is actively looking to solve these big problems that we are living in whether it is COVID, equality or environmental. My job is to focus their intentions into realistic and manageable expectations. I am really proud of my students; I have a feeling that many of my students will pursue and will their Final Projects into real projects. If design education has to adapt, it should be to tackle the reality of the world we are living in. To merge the practical and theoretical in a hands-on way, should be the future of design education.

NO MATTER THE SIZE OR THE COMPLEXITY OF A PROJECT, THE MAIN ISSUE IS USER EXPERIENCE

JEFFREY LUDLOW

You seem to be very interested in signage and wayfinding design. How do you define both?  Signage and wayfinding is very interesting for us. Although literally everywhere, it is heavily underappreciated, it is the unsung hero of architecture.

It also is the cultural mirror of our society’s norms, rules, and laws. If you saw a municipal sign saying don’t tie-dye t-shirts in the pool, it says culturally more than what it is restricting. If you see cultural institutions designed with accessible signs, it says something about inclusion for that institution. Signage is also about place making. How often do you see a classic 60/70’s residential lobby entranceway and notice that someone knew how to accent that building with the address number? That is placemaking.

We define signage and wayfinding as the intersection between graphic design, spatial design and industrial design. Where signage is the actual physical sign, and wayfinding as the way to navigate and orientate people within space. But there are so many other elements to it.

And, what complexities do you find in signage and wayfinding design projects for large spaces? We have worked on large airports, corporate campuses to small cultural institutions. No matter the size or complexity of a project, the main issue is user experience. How the architect/urbanist designed a space, may not be how an individual will use that space in real life. The challenge is to understand design intention and negotiate it with the psychology of moving through space. It is not too unlike water trying to find the lowest point.

To merge the practical and theoretical in a hands-on way, should be the future of design education

JEFFREY LUDLOW

Last week, Yarza Twins spoke to us about the differences between British and Spanish designs. They think that the brand’s economic investment is the main difference. While British and American clients know that design is a crucial tool, the brands doubt investing in design, here in Spain. Do you agree? You also work for clients from different countries, so what is your perception of the difference between Spanish and European Design? I think there are a couple of things to sift through here, especially as it is difficult to talk conclusively about broad generalities. (Speaking about Spain, not being a Spaniard is a tenuous proposition, no matter how much national or international work we do).

It is too easy to say Spanish clients are cheap and not Spanish clients are not cheap. Also, not all British and/or American clients truly value design. Bad clients exist everywhere and likewise so do disgruntle designers. That being said, yes, Spain has some frugalness. And I use that word strategically.

Frugality (or as we know it, bonito-barato-y-rápido) is a very entrenched and very inherent aspect to Spanish culture. Inditex, Spanish cuisine are all great examples of Spanish frugality. Getting the most flavor out of the least. There is also a dark side to this, only in Spain would there be loud public outcries for how much an agency was paid to change the identity of the Government Mail Identity. Overall, there is a need to justify design value to a Euro amount that is not bad, nor good, but a thing. An unmovable, cultural thing. So how do we move it, even if just a little? Prepare yourself for an unsolicited guiri opinion?

What if our national design organization rather than giving us the yearly pat-on-the-back award, could focused on broadly communicating to design value and ROI within a design process. What if these organizations focused on making design an understood profession to the general public rather than celebrating creativity to the same internal crowd? Maybe then the public would value what we do more. I think the AIGA, RGA does a good job at professionalizing the field in the US or Canada.

Trends come and go but, at last, what stays the same? Design intention above all else, remains. The less we have to explain projects, the better. Maybe design is like a comedy, the moment you have to explain a joke, the less impactful it is.

We too often celebrate newness in the profession, but not duration

JEFFREY LUDLOW

Professionally you have led a very busy life. What are you proud of? First and foremost, my family. Secondly, I am proud to be able to lead a creative life thus far.

What an honor that for the past 19 years people/companies pay me to creatively think through problems with them. The longer, I am in the profession, the more I learn about and the more I admire those companies or individuals that have preserved and continue beyond 10, 20, 30 years. Cruz Novillo, Barbara Stauffacher Solomon, or even Lance Wynman are just a few names that come to mind but there are so many others. We too often celebrate newness in the profession but not duration. It’s a difficult field design, so close to 20 years is something that I am proud of.